Delirium Tremens

Jonathan Wilson - Gentle Spirit

2011-11-26T14:15:00.005+01:00

Band: Jonathan Wilson
Album: Gentle Spirit
Year: 2011
Genre: Folk, Psychedelic, Rock

Estoy volando, al más allá. Mi objetivo es alcanzar la línea final en el horizonte. Al igual que un oasis, cuando estoy a punto de palmarla, vuelve a alejarse. Las nubes me impulsan y me siento tan libre que un simple gesto cambiaría el mundo, soy dueño de mi soledad.

Capitaneo las mareas al son de los acordes de una delicada pieza musical, y mi barco navega sobre las copas de los árboles. Al final, allí esta, el horizonte, el climax, solo queda un suspiro más para tocarlo, lo veo, lo siento, lo palpo, lo... vuelvo a perder, se aleja. Pero algún día lo conseguiré.

Me despierto, es Sábado, soy feliz. He vuelto a tener un sueño confortable, el cual me da ese aliento de seguridad, para incorporarme, poner el primer pie en el suelo, y decirle a la rutina buenos días.

Abro la ventana, tomo una profunda bocanada de aire, es fresco, entra en mis pulmones como medicina. Miro al cielo y un gran sol otoñal gobierna los cielos de Madrid, pienso "hoy será un magnifico día". Huelo la paz, no hay ruidos, es tan agradable todo que decido comenzar con un café y un cigarro para sentirme empapado y arropado por aquellos detalles infinitamente placenteros.

Todo es simétrico, mi cabeza está acorde con lo que siento. Si todas las mañanas fueran así podría morir en paz. Después del primer trago de café azucarado, me paro a ver mi guitarra eléctrica, mi gran vieja amiga, ella es parte de mi alma, hoy la tocaré hasta que quedemos los dos satisfechos.

Inhalo la primera calada del cigarro mientras empiezo a escribir sobre mis sensaciones, y me doy cuenta que todo es tan perfecto porque estoy escuchando Jonathan Wilson. Su Folk triste y a veces psicodélico es tan frágil, delicado y vulnerable que me sumo en otro sueño, pero esta vez despierto.

No quiero hablar de él ni de sus misteriosas, delicadas y personales canciones, porque todo lo que necesito declarar de él es lo que estoy sintiendo mientras escribo. El es mi banda sonora del día. Me agrada, me arropa y me empuja a sonreír.

Gracias JW.

The XX - The XX

2011-11-24T23:07:00.009+01:00

Band: The XX
Album: The XX
Year: 2009
Genre: Indie Rock, Electronic Rock

Hace más de un año que no escribo en mi blog porque me dejé llevar por el impulso de huir. Necesitaba comprender el significado de ciertas cosas y encontrar una excusa para vivir y sonreír.

La vida, casi de forma espontánea y sin esperarlo, me tomó por el cuello cual exclavo y me mostró de forma violenta a un un ente entrañable, sin explicación, sin apariencia física, sin credibilidad exacta, al cual lo llamamos "destino" y el cuál me condujo casi de manera espontánea a vivir a South Africa.

Él me llevo de la correa, como a un perro, lejos de aquí, donde pude ver personas, palmar el mundo, tocar experiencias, comprender lo que criticaba sin conocer, entender el dolor y manipular mi rabia, y al volver siendo otro, sin reino y rumbo, entre lágrimas y llantos de desesperación y con los sentidos a flor de piel, los escuché por primera vez: The XX.

Párate y observa. No disimules, el tiempo vuela, estudia a las personas. Mira a través de ellas, las cuales estando quietas en un vagón de tren, hablan solas con sus pensamientos. Sus ojos vidriosos y sus gestos muestran su vulnerabilidad, sus preocupaciones, y entonces entiendes que, en esta vida, solo tus percepciones pueden transformar los más insignificante en algo especial.

Observar es de sabios, aunque quizás, hacerlo demasiado sirve de opio para no observarnos a nosotros mismos. Somos seres tan limitados, vulgares y sencillos que, al igual que el atardecer, entradas las sombras, nos apagamos para siempre y nadie nos recordará.

Mirar personas a través de una cerradura es descubrir los momentos personales y auténticos de cada uno, donde te das cuenta que, ellos actúan como tu crees que nunca actuarías, entonces te das cuenta que eres como ellos, uno más, porque ellos también te observan para no auto criticarse y emborracharse en su propio juicio personal.

Esas personas son The XX, esa sencillez con mirada perdida, pensativa, sin rumbo y sin maldad. Sus notas lentas y puras son esa sensación de soledad en la noche, cruzando un puente, parándote a observar las luces de los coches en una autopista por la noche, que, si te paras y las prestan atención, dibujan líneas desiguales pero con un sentido común. Ellos son las gotas de lluvia que nos incomodan, pero si te dejas empapar por ellas, puedes entender porque esos pequeños detalles ahogados y olvidados por la sociedad, siguen existiendo y aún dan sentido a la humanidad. Ellos son caminar descalzo sobre la hierba mojada, sin pararte a pensar porqué lo haces, ya que simplemente te sientes cómodo bajo el impulso de hacer aquellas cosas que ya no se hacen.

La naturalidad de sus canciones son los pequeños detalles a los que no prestamos atención porque la enferma sociedad, decrépita y moribunda, trata de escondernos y no mostrarnos jamás.

La sencillez es el último aliento de la naturalidad, la cual, caracteriza al ser humano y explica su sociabilidad. La naturalidad es la ventana a aquella realidad verdadera, que al margen de la viciada sociedad, aún podemos encontrar; pero esta sociedad formada por perros, cerdos y ovejas, lamentablemente, está mutilando la poca naturalidad viva en las personas, como su sencillez y la alegría que desencadena, forzándonos a convertirnos en sus productos: simples marionetas que la consumen y la nutren de vulgaridad y vacío.

Reclamo que, los hombres cambiemos, ya que no sabemos volver a ser tan sencillos y naturales como lo son The XX...

Link Wray - The Original Rumble

2010-10-27T16:27:00.005+02:00

Band: Link Wray
Album: The Original Rumble
Year: 1958
Genre: Rockabilly, Instrumental Rock, Surf Rock

Hoy es un día perfecto para vomitar mis palabras, mostrar mis vísceras y exponer mis miedos.

Desde lo más adentro, siento dolor, y no consigo averiguar hacía que, o el porqué, pero quizás, las desilusiones, la vida, el rumbo que esta toma sin mi consentimiento, me provoca dolor, melancolía y rechazo a casi todo.

Mi dolor viene del bucle que dibuja el esquema de la sociedad enferma en mi “que hacer” diario, duele y ahoga mi existencia humana, y la brújula que guía mis decisiones y pasos muestra una brújula borracha, sin norte, sin freno y me muestra un mundo vacío de humanidad.

Y quizás, esos baches, esos golpes y esas desavenencias vienen de las desilusiones que mucha gente me muestra con el tiempo, puede que pida mucho, puede que de poco, pero siempre, espero lo que doy, siempre.

Te enamoras y no eres correspondido, no te enamoras y eres correspondido. Das tu mano, luego tu brazo a su gente, y ellos te agarran del cuello, te estrangulan y esa humanidad, que quieres mostrar y dar, se queda agarrada al corazón sin ganas de salir e iluminar el camino propio y del resto de personas.

Elegir es fácil, pero elegir bien es imposible. Hacerte con el calor de las personas es fácil, pero solicitarlo en tiempos difíciles es tarea de locos.

Por eso, y una vez más, me agarro a ese compañero inagotable, que siempre está ahí conmigo, ese amigo que se te ofrece para calmarte, para entenderte y hacerte ver la luz al final del camino: la música, así es mi vida, una ilusión.

Un precioso Chevrolet Bel Air del 56 de color azul se aproxima hacia mi, desde lo lejos, y casi borroso por la nube de polvo que lo acompaña, atraviesa una carretera marcada por viejas huellas de vehículos que pasaron por allí alguna vez, si, viene hacia mi. Mientras lo veo venir, noto como el sol se clava desde su punto más alto encima de mí. Cuando por fin llega a la playa, todos los rostros que ríen y gritan dentro del coche son como yo, jóvenes, hedonistas, locos por hacer lo que nadie a hecho y con ganas de ser los Reyes en su pequeño reino.

Así es Link Wray, sus notas me teletransportan a playas infinitas, perdidas en la inmensidad de la naturaleza donde, mientras me dejo hipnotizar por las olas, doy rienda suelta a mi asombro por la inmensa naturaleza virgen, me siento el amo de mi pequeño mundo.

Estoy a finales de los 50, y quizás es pronto para hablar de Rock, pero no para hablar de los primeros guitarreos, es la época del Rockabilly, del Surf Rock, de las máquinas Jukebox, son esas guitarras Jazzmaster y Jaguar enriquecidas de Reverb y de Tremolo, instrumental claro, como el silencio interior que el Mar nos ofrece, como una automeditación, un juicio personal infinito.

Un mal día lo tiene cualquiera, como yo, por eso, en estos casos, lo mejor es buscar la felicidad en los pequeños detalles.

Sonic Youth - Bad Moon Rising

2010-06-11T18:16:00.002+02:00

Band: Sonic Youth
Album: Bad Moon Rising
Year: 1985
Genre: Noise Rock, Experimental Rock, Indie Rock

¿El ruido puede llegar a ser melodía? ¿o por lo contrario el ruido destruye la armonia?. Es fácil, las dos preguntas tienen respuesta afirmativa: sin duda.

Antes que Sonic Youth, bandas como Velvet Underground o los semidesconocidos Flipper comenzaron a experimentar con el ruido. Pero quizás, Sonic Youth fueron quienes fueron capaces de re-definir el sonido Noise, darle nuevos aires, y convertirlo en melodía que el propio oyente tendría que ir descubriendo y a su vez comprendiendo.

Saber controlar el estruendo inducido por la saturación de la distorsión y los acoples de guitarra, es complejo y requiere a su vez originalidad y mucho tacto.El problema es que, si un músico no sabe amaestrar el ruido, puede terminar haciendo algo insoportable.

Un ejemplo de Noise insoportable son AU!, a quién vi abriendo cartel en Madrid para Sonic Youth: un buen grupo para 15min de concierto, pero insoportables para 16min: estridentes, inexpresivos y ahogados en su propuesta facilona. Hasta el Noise más violento guarda en si más melodía que AU!.

Bad Moon Rising (1985) junto con el gran EVOL (1986) son la continuación del Confusion is Sex (1983), pero con un sonido más pulido y amansado, más melódico y perfeccionado.

Por eso creo que, Bad Moon Rising es la expresión más violenta, caótica, oscura y a la vez bella y envolvente del Noise de Sonic Youth. Sus atmósferas asfixiantes y opresivas pero a la vez domesticadas me dejaron prendido desde el primer momento que comprendí tal obra.

Después de muchos años, siguo creyendo que es de los mejores discos de Sonic Youth, y a la vez, de los más extremos.

Brave Men Run!!! in my Family!!! Brave Men Run!!!!

The Jesus and Mary Chain - Psychocandy

2010-06-11T18:11:00.001+02:00

Band: The Jesus and Mary Chain
Album: Psychocandy
Year: 1985
Genre: Noise Pop, Post Punk

Psychocandy (1985) es deprimente y melancólico, sombrio y borroso, la antítesis del Pop tomando el mismo patrón.

Una de las peculiaridades que define y cohesiona estilos de música como el Noise, el Shoegazing o posteriormente el Lo Fi, es el propio ruido.

Grupos como Sonic Youth, Fugazi o Shellac han sido capacez de domar el Noise más salvaje. Por el contrario, grupos como The Jesus and Mary Chain, Flaming Lips o Pavement, han sido capacez de transformar el Pop en Noise Pop o Lo fi, a base de muros de ruido, manteniendo la base y la estructura, pero revistiendolo por completo.

El Pop es una fórmula fácil: - verso - estribillo - verso - basada en la pura melodía con base en acordes Mayores y menores. Pero si esa fórmula la recubres con una saturación extrema de guitarra, a base de Fuzz y Feedback, lo que haces es pasar de un extremo a otro. Ahí está la belleza, en acoplar el Noise al Pop.

Así se presenta la música de los primeros trabajos de The Jesus and Mary Chain, y en especial del LP Psychocandy: Pop para un dia nublado, gris, triste y sentimental.

Un gran disco

The Smiths - The Queen is Dead

2010-06-11T18:01:00.003+02:00

Band: The Smiths
Album: The Queen is Dead
Year: 1986
Genre: Indie Pop

"nunca digas de este agua no beberé".

La primera vez que escuché The Smiths me parecieron una broma, pero de buen gusto. ¿Como pueden ser estos tipos tan enormes y conocidos?. No estaba acostumbrado a unas melodías así, y menos aun a una voz como la de Morrisey. Sentía vergüenza por considerar que su música me estaba interesando, y a su vez, me sentía totalmente seducido por aquellas armonías tan insólitas que desnudaban mi timidez.

Después de unos días, con las melodías de The Smiths produciendo ecos interminables en lo más profundo de mi subconsciente, decidí comprar The Queen is Dead, y después de 5 años, lo continuo escuchando al igual que el resto de LPs que más tarde adquirí.

La fórmula que tenían The Smiths empezó a hacer huella en mí. Nunca supe, y ni siquiera aun se porqué me gustan, pero es asi. Reconozco que no me vuelven loco, es más, aborrezco su facha, llamativa pero muy ambigua, aunque es lo de menos.

Considero que es un grupo atemporal, influyente con su Pop oscuro, decadente y poético, y es que, aunque la apariencia del Señor Morrisey es excéntrica y pese a que sus videoclips sean un atentado contra los derechos humanos, lo admito, son muy muy buenos, pero sobretodo son grandes por la originalidad de su musicalidad.

Considero que The Queen is Dead es un discazo, y os lo recomiendo siempre y cuando estéis dispuestos a expandir vuestros gustos musicales abanderando el lema: "nunca digas de este agua no beberé".

The Who - My Generation

2010-04-03T16:47:00.006+02:00

Band: The Who
Album: My Generation
Year: 1965
Genre: Rhythm & Blues, Rock

Por un momento, os pido: cerrar los ojos, si, cerrar los ojos, y dar al play de este vídeo, solo pretendo que, os imagineis como debío ser aquella época en Londres en los 60, tan mágica, rebelde, tan inocente y a la vez tan parecida a un detonador, la época de los 60, a la que, yo al menos, debo mi existencia, porque en esos años previos a los 70, la música se convirtio en en la voz política, social, cultural y revolucionaria, en una nueva forma de expresión del artista, representando la inquietud de la juventud.

Para ellos, os dejo juzgar sobre mis palabras. Os presento The High Numbers, los primeros conciertos de The Who.

Ahora, os intentaré trasladar, como un cuenta cuentos, a otra época, ya lejana, pero que, para los que añoramos tiempos pasados, quizás, esto, sea algo reconfortante, y nos ayude a soñar en que esos tiempos, vuelvan alguna vez.

Año 1965, ¿una fecha más para el recuerdo? ¿o quizás no?. Una entra tantas fechas que a bote pronto no nos dice nada, pero, quizás, no os habeis parado a pensar que, para algunas personas como yo, si que tiene significado, y mucho, ¿y porque?: Bob Dylan publica su gran obra Highway 61 Revisited, The Beatles publican Help! y Rubber Soul, aparte, nacían ese mismo año bandas tan increibles como Pink Floyd, The Doors, The Animals, The Monkees, Jefferson Airplane o Greatful Dead. De estas últimas, The Monkees y The Animals serían del estilo de los primeros The Who: Rhythm & Blues, Soul, Rock, en definitiva, MOD 100%.

Quizás, temas como My Generation, alimentarían el nacimiento y la explosión Punk de grupos como The Clash o Sex Pistols, pero aunque esto ya sea otro cantar, ciencia exacta es saber, comprender y entender porqué este disco está entre los grandes clásicos: canciones rockeras como My Generation, Out in the Street o The Kids are Alright, o Rhythm & Blues como I ´Don't Mind o Please, please, please explican la magia de este disco.

Elliot Smith - XO

2010-03-08T17:28:00.008+01:00

Band: Elliot Smith
Album: XO
Year: 1998
Genre: Rock, Pop, Folk, Cantautor

Siempre pienso: "voy a escribir sobre un disco". Pasan dos semanas y pienso: "voy a escribir sobre un puto disco". Así pueden pasar meses. No me motiva escribir sobre música si no estoy trascendental. No puedo escribir sobre lo más importante en mi vida, si mis sentimientos no estan a flor de piel.

Por eso, pienso que, cuando escribo, coincide con que necesito expresar mis odios, temores o emociones, o simplemente tengo que hacer una pequeña y personal declaración de intenciones, canalizando los sentimientos y esparciendolos en estas líneas.

De hecho, en este preciso instante, no tengo claro que disco puedo comentar, no tengo ni puta idea. Tengo varios discos en mente y bla bla bla bla bla bla... debo escoger un disco que pueda tranquilizar mi agitado y agridulce caracter a dia de hoy.

Mi obsesión es Elliot Smith. Dicho y hecho. Llevo 2 semanas seguidas escuchando un disco suyo, porque su voz me relaja, sus melodias me arropan y me siento identificado, no con las letras, sino con la simple, bella y barroca melodía.

Creo que el dolor es la máxima expresión en todos los sentidos, y plasmado en música puede ser lo más bello.

Me obsesiona comprender las estructuras simples de las composiones de Elliot, ¿porqué son tan simples y perfectas? solo puedo autocontestarme con la palabra: sinceridad.

Este disco me encanta para pensar en algo mejor, de autoconvencerme de que hay algo bonito, que a todos, a la vuelta de la esquina nos espera, y nos cambiará, pero quizás, como decía Gustavo Adolfo Bécquer, aquellas oscuras golondrinas, no volverán.

Waltz #2 (XO) es una canción hecha para llorar, para recordar y para apreciar los pequeños detalles, de los cuales, si uno es capaz de llegarlos a ver y entender, creo que puede ser feliz. El resto del disco da igual, después de este tema, el resto me mantiene vivo, pero el golpe emocional te lo llevas con esta canción.

Pitseleh, al igual que la canción Independance Day son otras maravillosas canciones que cuando las escucho caminando por Madrid, de camino al trabajo, me siento como si fuese el único personaje a color en una película en blanco y negro, como si la única verdad mundial la firmase con mis pasos y mi respiración, mientras me autoengaño para no querer saber nada más de este mundo.

Bled White pone el punto desenfadado y feliz en el disco. Me recuerda mucho a mi amigo Lolo Herrero, creo que es de su estilo de composiciones, una canción fresca, movida, para saltar, perfecta para el fin de una película de amor, con beso incluido, claro está.

Waltz #1 es la vuelta al abismo, la caida a la tristeza, como perseguir a la mujer de tu vida, y cuando llegas a ella, estás a punto de tocarla, de abrazarla, de besarla, de percibir el olor de su piel... la ves abrazada a otro hombre, y lo único que quieres es llorar sin parar. Precioso tema, pero como la Caja de Pandora, una bomba de sentimientos.

Gracias a todos.

Led Zeppelin - II

2009-12-01T19:37:00.002+01:00

Band: Led Zeppelin
Album: II
Year: 1969
Genre: Rock, Blues

Cuando la palabra Sexo o Sexy va unida al Rock, últimamente me viene a la cabeza Led Zeppelin, quizás el mayor escaparate del Rock de todos los tiempos.

Su música es la piedra angular del Rock, la cual se muestra desnuda, natural e inquietante como un animal salvaje, gruñendo e intimidando con cada nota de Jimmi Page, enamorando y posando como Robert Plant con sus gritos y gemidos, proponiendonos un orgasmo infinito de sensaciones.

Led Zeppelin fueron, son y serán una de las bandas más jodidamente espectaculares e inigualables. Estadios reventados de gente en los 70 avalan sus brutales discos y es que estos señores son demasiado grandes.

Pero de lo que quiero hablar es de mis sensaciones, gustos y viajes personales con Led Zeppelin. Hace poco le dije a alguien: Led Zeppelin son la banda sonora perfecta para echar un polvo (con ellos nunca he tenido el momento, pero se que son perfectos para ello). También comenté hace poco a unos amigos que grupos como Pearl Jam no habrían existido sin Led Zeppelin, bueno, y the Who que es la otra cara del Rock.

Y para más sensaciones sonoricas, abriendo su segundo disco Led Zeppelin II (1969), está el clásico Whole Lotta Love; y yo solo en mi habitación, únicamente puedo limitarme ha imaginar como habría sido ver a estos tipos en directo, orgásmico.

Cuando me quedo extasiado y con ganas de reventar la púa en mi guitarra, escucho What is and What Should Never Be, donde Robert Plant no para de insinuar con su voz que la belleza de Led Zeppelin es un arma de doble filo. The Lemon Song es ese Blues Rock que sigue captando mi mente, colapsada por tales melodías, bellas, antiguas y con ese "feeling" que en 30 años, pocas bandas han rozado.

Heartbreaker y Living Loving Mad me dejan siempre buen sabor de boca para después degustar Ramble On, de los temas que más me gustan, y como no, para cerrar la obra que mejor que Bring it on Home, un Blues de esos que podemos decir solo una palabra: cremita.

Led Zeppelin demostró que se podían superar las barreras del Rock y llevarlo a otros niveles.

Gracias mil.

Jimi Hendrix - Are You Experienced?

2009-11-26T19:58:00.002+01:00

Band: The Jimi Hendrix Experience
Album: Are you Experienced?
Year: 1967
Genre: Blues, Rock, Psychedelic

Me acuerdo hace unos 6 años, mientras estudiaba una tarde en la biblioteca del barrio sin dar palo y fichando a una niña que me tenía loco, pensé: "me voy a casa, estoy perdiendo el tiempo?, pero no sin antes pasar por la sección de películas y discos de la biblioteca: Allí estaba el dvd: Woodstock de 1969, la grabación original.

Decidido, lo tomé prestado y me fui a casa con el objetivo de verlo al acto. Ya en casa, conforme iba viendo el Woodstock, me iba preguntando "¿que coño hago yo en esta época en vez de estar allí con todos esos hippies de fiesta y formando parte de la historia?".

Me acuerdo perfectamente de Joe Cocker donde se me puso la piel de gallina, cantando With A Little Help From My Friends de The Beatles, increíble; Jefferson Airplane con sus melodías psicodelicas a dos voces; The Who no me gustaron tanto en Woodstock, pero otros conciertos son para enmarcar; Janis Joplin transmitiendo dolor y tristeza con esa voz de ultratumba; Pero lo que más me gustó fue Santana y Jimi Hendrix.

Y a Jimi Jendrix me remito. Llevo ya mucho tiempo escuchando Are you Experienced?(1967), el primer LP de The Jimi Hendrix Experience, auténtica cremita. Punteos que expresan todo, melodías y solos que te llevan de la mano a ese paraíso hippie que tan bien refleja el propio Woodstock.

Jimi Hendrix es Blues, es Rock, es Psicodelia, es ácido en la frente, es el sonido del mítico Wah Cry Baby, es la Fender Stratocaster de diestro traspuesta? pero por encima de estos pequeños detalles, Hendrix es el guitarrista más grande e importante de todos los tiempos, el mito, el dios, el creador, el fundador y la máxima influencia para el resto de los grandes guitarristas de la historia.

Are you Experienced? (1967) empieza destripándome los tímpanos con el clásico Purple Haze, solo con escuchar este tema puedes hacerte una idea de lo que supuso en aquella época Jimi Hendrix. Otras canciones como Manic Depresion o I Don't Live Today hacen que me vuelva loco y mueva la cabeza como un poseso.

Pero la canción que cada vez que escucho me sigue enamorando es May this Be Love, para mi concentra toda la magia y belleza melódica de Hendrix. Recuerdo cuando escuché por primera vez el tema: gracias a mi primo, compré la Banda Sonora de la película de Cameron Crown editada en 1991: Singles, película de culto Grunge; y claro, el Grunge proviene de Seattle, al igual que Jimi Hendrix.

Hey Joe y Fire son otros clásicos del Rock a todos los niveles, quizás de los temas más pegadizos y conocidos de Hendrix, pero sobretodo Foxey Lady es de esas canciones que más de uno le enganchó de sopetón al Rock.

Me gustaría cerrar mi opinión sobre el disco nombrando el corte final: Red House, tremendo Blues, solos desgarradores al más puro estilo Jimi, pufff.

Hace poco me dejó mi amiga Kitty (gracias!!!!) un libro muy interesante y realmente bonito sobre el Woodstock del 69, un documento fotográfico espectacular. Cuando me dijo que su padre vio a Jimi Hendrix en los 70 me quería morir de envidia, pero yo le dije que mis padres de novios vieron a Pink Floyd en los 70 y al final, quedamos en tablas :)

Venga gente! a mamar un poco de cultura básica musical!

Pink Floyd - The Piper at the Gates of Dawn

2009-11-24T23:20:00.005+01:00

Band: Pink Floyd
Album: The Piper at the Gates of Dawn
Year: 1967
Genre: Psychedelic Rock

The Piper at the Gates of Dawn (1967) es el primer LP de Pink Floyd, y uno de mis favoritos.

Fue una declaración de intenciones a todos los niveles, un "basta ya" contra corriente. Los primeros años de Pink Floyd fueron tutelados por las composiciones y la magia Psicodélica de Syd Barret (voz, guitarra), hasta que al poco tiempo, fué sustituido por el inigualable David Gilmour (voz, guitarra) que cambiaría el rumbo hasta lograr la perfección Experimental y Ambiental, junto a Roger Waters (bajo, voz), pero eso es otra historia.

Si os hablo de The Piper at the Gates of Dawn me veo obligado a mencionar a Syd Barret, esa sombra, ese diamante loco, que brilló, y aunque por poco tiempo, fue suficiente como para poder iluminar mil planetas. Fue un genio, precoz, con poco recorrido, y como no, siempre bajo los efectos del LSD y los ácidos.

Y claro, eso fue lo que le anuló, las drogas, pero sin él, muchas cosas habrían sido distintas hoy en día en la música, su aportación fue fundamental, y no creo que jamás cuestionada.

Curiosidad: en el minuto 1:12 del video aparece John Lennon entrando en un concierto de Pink Floyd én 1967

Me encanta ver los videos de aquella época, ver a Syd Barrett totalmente ido, tocando la guitarra como un poseso, dejándose llevar por cada nota, y el público saltando como desquiciados al ritmo de la Psicodélia que desprendían Pink Floyd, era puta locura. Esos trajes coloridos, al más puro estilo Freakbeat, y aquellos antros de mala muerte, donde unos pocos pudieron presenciar los primeros pasos de bandas que harían historia.

El tema 7 de The Piper at the Gates of Dawn se llama Interstellar Overdrive, para mi, la máxima expresión y representación de la Psicodélia a todos los niveles, tema emblema de locura y belleza anárquica. Otros temas que Astronomy Domine o Lucifer Sam que también merecen oirlos a toda caña.

Salud!

Syd Barret a la derecha

The Kinks - The Ultimate Collection

2009-11-18T23:52:00.005+01:00

Band: The Kinks
Album: The Ultimate Collection
Year: 2002
Genre: Garage, Rock, Pop, Mod

Te pones The Kinks a tope y la movida cambia;

Con ellos, te ves conduciendo derrepente un jodido y bonito Ford Mustang Shelby del 69, por ejemplo. Te incorporas en la M-40 para ir al local del ensayo en Ritmo & Compás, y suena de fondo Everybody's Gonna Be Happy, joder, que temazo, por un momento soy el puto amo, si no fuera porque mi carro es un puto Twingo! y con mucho honor, jeje. Bueno, al fin y al cabo, ha sido un gran momento.

Hace no mucho, en la Sala Sol, con los ojos cerrados, y varias copas por medio, que más que agarrarme a ellas, ellas eran las que me sostenían, y en ese preciso momento entre el bien y el mal, van y me ponen a todo volúmen All Day And All Of The Night, la visión cambia, te agarras a lo que sea y te pones a mover el esqueleto como aquellos videos antiguos donde la peña bailaba los Beach Boys, por ejemplo.

Y cada vez que por mis oidos pasan esos acordes rebeldes... ta na na na!! ta na na na! se reconocen a leguas, si, suena You Really Got Me; O cuando estás melancólico y te pones Set Me Free o te da por volver a estár con todo el buen rollo del mundo y vuelves a reventar el timpano a los vecinos con Till The End Of The Day

Terminando, gran disco con 44 temas The Kinks, para iniciarse como dios manda.

Que grandes eran estos tios, si señor

Quadrophenia - Original Soundtrack

2009-11-12T19:03:00.005+01:00

Band: Quadrophenia Original Soundtrack
Album: Original Soundtrack
Year: 1973
Genre: Mod (Jazz, R&B, Soul, Ska, Beat)

Que la música es arte no lo dudo... ahora bien, que la música es terapéutica... ummm, dificil. Dicen que la música es una técnica que utilizan algunos jardineros y/o agricultores especializados en lo suyo: poner música clásica a sus plantas y/o cosechas hace que crezcan mejor, más rápido y con más fertilidad.

Pero a mi, la música si me sirvió como autoterapia. Nunca en mi vida estuve realmente fuera de mis cavales, jamás he llorado por una causa, y jamás me he agobiado, pero ¿no es así el mal de amores?

Te toca vivir algo realmente duro, algo nuevo, y no sabes como te va ha afectar hasta que estás sufriendolo. Este verano, cada vez que estaba solo, me encontraba solo, pero... después de todo me vino bien, ahora soy otra persona de lejos, muuuuy de lejos.

El momento más bonito que he vivido en mi vida estando en soledad fué un día corriente de Agosto de 2009, en Asturias, concretamente, en mi pueblo Navia, en la playa:

"Meses antes había escuchado el disco de Quadrophenia, aquella banda sonora compuesta de auténticas bellezas compositivas (High Numbers, The Kingsmen, The Ronettes...) y a ppios de Agosto compré la película...

...pues bien, sentí un paralelísmo brutal y emocional con el protagonista de la película. Sentado, solo, con mi tabaco, con algo que me colocase, mirando el Mar Cantábrico, con los piés hundidos en la arena de pizarra, con una sudadera, y con esas pintorescas nubes grises del norte amenazando con rugir.

Solo y acompañado como no, de mi fiel amiga, la música, no paraba de escuchar canciones como Louie Louie de The Kingsmen, By My Baby de The Ronettes, Zoot Suit de The High Numbers o I've Had Enough de The Who. Fué un climax personal de emociones, sensaciones, no sabía donde tenía el rumbo durante aquella tarde, pero quizás, pasar por esa desorientación personal en solitario, fué mi autoterapia".

Al igual que el protagonista de Quadrophenia, todos hemos pasado por ese desengaño personal alguna vez. Por eso, recordar, remover el pasado, idealizar algo, es lo peor que te puede pasar, luego, el desengaño puede ser un arma de doble filo. A mi el desengaño me hizo sufrir, pero no me mató, y Quadrophenia me levantó del suelo, al contrario que a su propio protagonista, que lo ejecutó.

Gracias

DECCA Originals - The Freakbeat Scene

2009-11-09T16:04:00.005+01:00

Band: DECCA The Originals
Album: The Freakbeat Scene
Year: 2005
Genre: Freakbeat (Rock, Psychedelic, Blues...)

Wikipedia dice que: Freakbeat es un género de música rock que tuvo auge en la mitad de los años sesenta. Estilo de rock que medio entre las bandas de R&B populares entre los mods; y el rock psicodélico y el rock progresivo. Elementos del freakbeat incluyen una batería fuerte, guitarra distorsionada con fuzztone, flanger, y el resto del audio o las voces con phaser y compresión. Algunas bandas de garage rock de la época podrían ser consideradas dentro de este estilo. Entre lo más representativo de este estilo podríamos considerar a los primeros álbumes de The Who, The Kinks que influenciaron a grupos como The Creation, The Sorrows y The Move.

En definitiva, al igual que el disco que os recomendé "ciegamente" llamando de DECCA Records - The Mod Scene, este es otro de esos recopilatorios en la misma línea que sacó hace unos años ya la DECCA Records de su bahúl de los recuerdos. Joder, y que recuerdos.

Música que escuchas, que nunca la viviste, pero que te transmite un sentimiento que no puede explicarte. Es como ver la película de Regreso al Futuro I, cuando nuestro querido y olvidado Michael J. Fox, encarnando al malogrado Marty McFly, sube sin mediar palabra en el escenario de la fiesta del baile de fin de curso y empieza ha tocar Jonhnny Be Good. Aunque es verdad que podría encajar mejor este disco como banda sonora de la época a la que se hace apología en Austin Powers, pero sin humor y muy buena música.

Pearl Jam - Backspacer

2009-11-02T19:14:00.003+01:00

Band: Pearl Jam
Album: Backspacer
Year: 2009
Genre: Grunge, Rock

Y pensar que después de aquél mítico icono y pilar musical de los 90 llamado Ten (1991) iba a tener tal repercusión.

Señoras y señores, siempre, y está vez, solo es una más, lo puedo decir, es más lo puedo gritar a los cuatro vientos hasta quedarme jodidamente afónico: Pearl Jam es el grupo de mi vida, de mis sueños, de todo. Mezcla tu mejor orgasmo, multiplícalo por mil (si, frase de Trainspotting) y ni siquiera serás capaz de sentir Pearl Jam como yo. Y así de ancho me quedo. Y sino, pregunten a Rosendo Mercado, opina como yo, je.

Backspacer (2009) es un todo en uno. Me explico: Suena a Versus (1993), No Code (1996) y Pearl Jam (2006)... en resumen, adiós a la época Binaural (2000) y Rito Act (2002), se han reafirmado en el puro Rock.

¿Canciones a destacar? sin lugar a dudas me quedo con: Got Some, Johnny Guitar, Amongst The Waves y Unthought Known, son espectaculares.

Me encanta que en este disco compusiese tanto mi querido Matt Cameron (ex Soundgarden), y por supuesto Stone Gossard, incombustible. Aunque como bien sabéis, Eddie Vedder comanda la personalidad y es el motor de esta gran máquina.

En definitiva, un grandísimo disco, directo, el más corto de su carrera: 36m:39s de Rock, a veces Punk, y por supuesto, ese sabor Grunge no caduco.

Seattle belongs to me!

The Cure - Disintegration

2009-11-02T17:05:00.003+01:00

Band: The Cure
Album: Disintegration
Year: 1989
Genre: Post Punk, New Wave

... y es que estaba esperando el momento exacto, sin premeditación, para poder expresar lo que siento al oir este LP.

Cada nota de este disco me representa amor y odio, un enamoramiento puro por la melodía, y un desengaño personal, absoluto y destructor frente a mi experiencia con el amor. Me hace sentir así, no por las letras, sino por las atmósferas descoloridas y agridulces, pero insultantemente bellas.

Escuchar Disintegration, es triste, es pasear por una ciudad húmeda, cuando a dejado de llover en mitad de una noche fría. Es añorar un abrazo, es caminar y pensar si la chica que te acabas de cruzar en la calle será "ella", la que me ame para siempre y a la que yo ame, mime, cuide y protega hasta la tumba.

Disintegration es mirar por la ventana cuando llueve, respirar pegado al cristal y ver como se empaña poco a poco con mi respiración entrecortada, pensado, en que persona fuí una vez, mientras estoy autojuzgandome y reafirmandome en que amar es de estúpidos y que jamás encontraré a la mujer de mi vida. Ya no hace falta.

Pero ya no es dolor, de hecho, mi boca se retuerze creando una tímida mueca, sí, es una sonrisa por haber creido en una causa, apoyarla, reafirmarme en ella, luchar y llorar por ella para que todo se fuese a la puta mierda. Ya es muy tarde. Yo mientras he sabido madurar y salir adelante, solo, quizás con demasiada rabia y con un gran sobreimpulso.

Por eso, puedo decir, haciendo referencia a The Cure que, probar de otras flores es mi propia cura.

foto wapa! toma!

The Jam - The Very Best of

2009-10-23T17:09:00.008+02:00

Band: The Jam
Album: The Very Best of
Year: 1997
Genre: Revival Mod, Punk Rock, New Wave

Porqué recomiendo un recopilatorio de The Jam y no un disco? y porqué coño me gusta The Jam así de buenas a primeras? estamos locos? o que?

Como en el anterior disco de la DECCA que os comenté en el anterior post, hay música que, sabes que está ahí esperando a que la escuches, pero haces oidos sordos de ella hasta que te llega en ese momento exacto en tu vida, en el cuál eres una esponja sonora, y "chupas y mamas" con los cinco sentidos.

A mi me pasó, me pasa y me pasará con la música todo lo que acabo de explicar. Algún día escucharé cosas que hoy se que están ahí, pero el abanico es tan extenso que prefiero ir llenando nichos en mi mente poco a poco, con acordes y melodías de un mismo género para licenciarme musicalmente, es una meta imposible.

The Jam me encantan, me atraen, incluso, y mirar que me es raro que yo lo diga, hasta la estética es atractiva. Los temas, la actitud, el acento inglés, los temas sencillos, pero directos como un puñetazo... muy grandes.

¿porqué me parten The Jam? muy fácil, darle al play:

Poco más deciros, esucharlos y escucharlos, merecen la pena, no me apetece hablar de ellos en profundidad, ya son de sobra conocidos, 6 discos y Paul Weller son las razones de peso para ello!

Nada más que objetar! empaparos de estos ricos ricos temas!

Salud majos/as

DECCA Originals - The Mod Scene

2009-08-07T09:09:00.007+02:00

Band: DECCA The Originals
Album: The Mod Scene
Year: 2005
Genre: Mod (Jazz, R&B, Soul, Ska, Beat)

Desde 1962 a 1968...La película Quadrophenia nos da una visión estético-musico cultural muy clara de la escena Mod: Garitos humedos y contaminados de humo en Londres principalmente, peleas entre Mods y Rockers, bailes locos, drogas, Scooters maqueadas, cerveza y más cerveza, el frecuente consumo de anfetaminas, trajes a medida, polos de Fred Perry con cuello cerrado, Parkas, y como no, la música: High Numbers, Small Faces, The Who, The Animals, The Yardbirds, The Kinks, The Poets, The Attack, Timebox, Chris Farlowe, y muchos más que aún no conozco, son lo que abanderaron la escena Mod.

"...y el corazón engaña a la razón en una relación sentimental..."

Lo bueno de conocer personas o de tener relaciones sentimentales, es que en el plano personal puedes aprender y madurar en muchos aspectos personales como me ha pasado a mí.

Pero en una relación también puedes empaparte de otras cosas, que no sabes que están ahí, arraigadas en el interior más recóndito de uno mismo, pero no sabías que iban a salir algún día, esto es, el gusto por la música Mod. Me la dieron a conocer y ahora pues, estoy en la época de "mamar" de tanta nueva música que enriquece mis oídos.

En definitiva, DECCA, es un sello discográfico establecido en UK desde 1929, el cuál con este disco nos presenta un espectacular recopilatorio de 25 canciones de 25 artistas, en este caso pertenecientes a la música Mod, que pasaron por sus estudios alguna vez.

RIP KC - Obvious and Bleeding

2009-08-05T12:05:00.005+02:00

Band: RIP KC
Album: Obvious and Bleeding
Year: 2005
Genre: Stoner, Rock, Psicodelic

Junto con su último gran trabajo: Spingüolf, para mí, lo mejor de España abarcando cualquier género musical. ¿Y porqué? simplemente escuchalos, vete a Madrid a verlos, aunque siempre te darán alguna sorpresa tocando por Utrera, Alicante o sabe Dios donde puedes verles... ah! sí! ahora están partiendo la pana con Pancho Villa en México.

Como músico y compañero de los tablaos, he de decir dos cosas: la primera que fué un honor compartir escenario con RIP KC una vez en la Sala Taboó (ellos no lo saben, pero yo flipé), y segundo, da gusto estár con gente tan campechana, familiar y maja.

Como persona que escucha y critica su disco, decir que rozan la belleza melódica. Te envuelven, te amarras a su tren y te dejas llevar hacia el mundo de desertico que fluye de sus notas.

¿A que suenan? puff, depende en que época... ¿Punk? ¿Stoner? ¿Hard Rock? ¿Psicodelia? que más da, todo lo combinan de puta madre, y puedes oir desde un riff al rollo Triana hasta un riff Black Sabbath a saco.

Bueno, que os vayais a comprar el disco! Por cierto, los podréis encontrar en la web Alone Records o en sus conciertos.

Black Sabbath - Vol. 4

2009-04-08T13:18:00.003+02:00

Band: Black Sabbath
Album: Vol. 4
Year: 1972
Genre: Rock, Hard Rock

- Hola tio, ¿que tal todo?
- Bien, hoy vine de camino a tu casa con Black Sabbath a toda ostia en el coche
- ¿Que disco escuchabas?
- El Vol.4, ya sabes que lo único que merece la pena es Black Sabbath con Ozzy

Y Dios creó el Hard Rock. Parió la música a Black Sabbath, y a la voz un delicuente, bajito, con una mirada degradada y andares vampirescos, y que por lo visto se come murcielagos. Hace poco tuvo un reality show en su propia mansión y da pena ver el reflejo de los excesos de las drogas en su fachada personal, si claro, es Ozzy.

La influencia de The Beatles es la sombra del Pop de los últimos 30 años, al igual que Led Zeppelin del Rock, Pink Floyd de la música más vanguarsista, y Black Sabbath? los padres del Heavy, del Trash, del Stoner, y el arbol podría seguir ramificandose.

Unos putos genios vamos

The Beatles - A Hard Day´s Night

2009-04-08T12:59:00.005+02:00

Band: The Beatles
Album: A Hard Day´s Night
Year: 1964
Genre: Rock

No se si es el aroma antiguo pero fresco que se respira al oir los acordes de este disco, no se si son esas canciones que rompieron barreras y estereotipos a mediados de los 60, no se si fueron esos conciertos calurosos en The Cavern con olor a cerveza y atmósferas de humo que violaban la inocencia de los jóvenes, solo se que fué lo que aún, padres e hijos somos: la familia del Rock.

No es mi disco preferido de los Beatles, de hecho la primera etapa de los Beatles me parece incluso graciosa, una época de pose, estética mod e impecable, con canciones de amor. Luego vendrían los verdaderos Beatles, o por lo menos por los que me siento un seguidor ciego y enfermizo, claro, hablo desde el disco Revolver en adelante.

The Hillbilly Moon Explosion - Introducing

2009-01-06T14:56:00.005+01:00

Band: The Hillbilly Moon Explosion
Album: Introducing
Year: 2003
Genre: Rockabilly, R&B, Garage

Conocí a The Hillbilly Moon Explosion gracias Maria, mi novia (edito: mi ex novia) que de música sabe un rato :). Los escuché y dije: "coño, este rollo desde siempre me ha encantado", y es así. Son mezcla de Rock'n'Roll, Psycho, Swing, Blues, Country y espíritu de las mejores canciones Oldies.

Son bailables, suenan que te mueres, son atemporales y este disco tiene un buen puñado de temas para oir en cualquier momento.

Mezclan temas más lentos y oldies, con temas espectaculares rollo Rockabilly y muy marchosos.

Calexico - Carried to Dust

2009-01-04T22:00:00.011+01:00

Band: Calexico
Album: Carried to Dust
Year: 2008
Genre: Indie Rock

A sus comienzos, Calexico eran silenciosos y, por momentos, muy ambientales como se refleja en su segundo disco The Black Light (1998), y es que, escucharles era y es viajar al desierto de Arizona, al más puro Oeste bajo los efectos de algún tipo de alucinógeno. Pronto se apoyaron en instrumentos como trompetas, violines y trompas así como influencias de jazz con sabores mariachis. También se atrevieron a ser más Pop en Garden Ruin (2006), (pero solo fue un guiño de Joey Burns
a su lado más sensible).

Después de adelantarnos el Tour album Toolbox (2007), siendo edición limitada a conciertos y meramente instrumental, dan a conocer Carried to Dust (2008).

Calexico vuelven a las composiciones con un sabor parecido al que nos dejó en su momento el gran disco Hot Rail (2000). Victor Jara's Hands nos vuelve a trasladar a los que nos tienen acostumbrados Calexico, me encanta. La mágica Two Silver Trees nos presenta una cara nueva de Calexico bajo el mismo paisaje desertico de siempre, se sale. También The News About William me tiene totalmente enganchado, no entiendo a que está esperando Tarantino para meterles de banda sonora para alguna de sus pelis, jeje. Otras razones para escuchar el disco?: Writer's Minor Holiday, House Of Valparaiso... y como no: El Gatillo (Trigger Revisited) , típico corte largo e instrumental al más puro estilo Minas de Cobre en The Black Light (1998) (una de las grandes piezas de Calexico)

Por cierto, los tenemos de visita!

Fechas En España Tour 2009
Enero: 15 Madrid, 16 Vigo, 17 San Sebastian, 18 Zaragoza y 20 Barcelona

The Sonics - Here are the Sonics

2008-12-31T10:17:00.002+01:00

Band: The Sonics
Album: Here are the Sonics
Year: 1965
Genre: Garage Rock

Wow,have love
Whoa baby will travel,
Uh huh, uh huh,have love
Woah baby will travel,
I said if you need loving then
Mm,hmm,i’ll travel.

(song: Have Love Will Travel)

The Wailers, The Kingsmen, o The Sonics y otros muchos más, fueron pioneros en el género Garage a mediados de los 60, pero The Sonics eran otra cosa. Sonido salvaje, indomable, ruidoso, distorsionado, sucio y caótico. Así son, como una enfermedad que hace que no pares de mover la cabeza como un poseso y que sientas, que por un momento perteneciste y viviste en otra época más gloriosa, inocente, reivindicativa y donde uno podía soñar con un mundo mejor, los jodidos 60.

Fueron de los más salvajes en su época, canciones tan consagradas como The Witch, Boss Hoss, Have Love Will Travel, Do you Love Me, y un buen puñado de versiones transformadas y disfrazadas a su gusto hicieron de ellos una banda fundamental en aquellos antros medio clandestinos donde escupían sus notas bajo humo y gente bailando poseída sin dar crédito a la revolución musical y social que estaban viviendo en sus carnes.

Ojalá fuera esa época

P J Harvey - Rid of Me

2008-12-29T23:17:00.005+01:00

Band: P J Harvey
Album: Rid of Me
Year: 1993
Genre: Alternative

Olé, olé y olé. Si no conoces a P J Harvey (Polly Jean Harvey, 1969, UK) creo que te estás perdiendo algo importante. Primero porque estás ante una tía con los cojones más grandes que la mayoría de los rockeros, tal cuál. Ella sola se lo guisa y se lo come, como Juan Palomo.

Ella lo es todo para su género: "la mujer más admirable del panorama alternativo en los últimos 15 años". Sus acordes, sus viscerales letras, su propia filosofía, su orgullo femenino, y su exquisita calidad compositiva, y como no, su voz.

Expresar lo que sientes es difícil, cualquier músico lo sabe, es jodido, y solo cuando llega el momento, el mojo, y que son pocas veces, te sientes lo suficientemente confiado como para creer en que puedes componer algo emotivo: P J Harvey desborda lo emotivo hasta convertirlo en algo insultante.

Rid of Me (1993) no es un disco, es una declaración de verdades, de sentimientos compactos, de notas afiladas, ensangrentadas, trasparentes y dolorosas. Es una de esas joyas que salieron en aquellos maravillosos comienzos de los 90, donde no paraban de salir a la luz numerosas bandas que hoy en día siguen gobernando y salvaguardando el rumbo de lo puramente underground.

Simplemente, disfrutarlo

Oasis - Dig Out Your Soul

2008-12-29T22:49:00.006+01:00

Band: Oasis
Album: Dig Out Your Soul
Year: 2008
Genre: Rock

Que Liam Gallagher es gilipollas no es decir algo nuevo. Que Liam & Noel son más chulos que un ocho y les gusta las Lambrettas de los 60, no cabe duda. Que Liam se masturba viendo videos de John Lennon, es algo que todos sabemos. Que Oasis son una gran banda... tampoco hay duda, o al menos yo ya no tengo esa duda.

Jamás me ha gustado Oasis. Bueno, miento, con 13 años escuchaba el Definitely Maybe, y junto al Nevermind de Nirvana me parecían lo máximo, ahora tengo 26 tacos(casí 27, que viejo)... pero siempre he reconocido que son buenos. Y me jode reconocerlo.

Duele reconocerlo cuando siempre me he cachondeado de la gente que escuchaba Oasis por lo comerciales que eran (típica época que sólo lo que uno escucha es lo mejor y auténtico).

Me enteré que salió a la venta el nuevo disco de Oasis: Dig Out Your Soul (2008), leí las críticas y lo ponían por las nubes. Pensé: "me lo bajo y vemos como han ido a pique estos gilipollas disco tras disco" .... ahora me pregunto: ¿Porqué coño me he comprado el disco? Como me he podido contradecir taaaantos años? gracioso.

Este disco es un puñetazo Rock en tu jepeto, y duele reconocerlo. Tiene temazos, es directo, es cañero, suena diferente, y me temo, que no es más que parte de una bonita evolución que Oasis a sufrido. Vaya discazo coño!

Os remitiría al Hit The Shock Of The Lightning para que os inicieis en este bonito disco... pero no. A mi me gustan los no-hits, o las B sides, o las que son cojonudas pero no venden tanto. Me quedé flipando al oir The Turning, un tema con mucha clase, con un feeling especial y porqué no, un rollo Radiohead con el piano.

Aunque la canción que me sigue sin divorciarse de mi subconsciente es Waiting For The Rapture, y canta Noel, se le nota. Que temazo. Por otro lado, el tema I'm Outta Time (Get Off Your) es una declaración de amor imposible de Liam a Jonh Lennon, suena a Lennon por los cuatro costados, pero es un tema bello y se palpa a la primera escucha.

Una de mis sorpresas del disco la rara, y porqué no, experimental High Horse Lady, diferente, como un "break" en el disco, no se ha que suena, pero me recuerda a algún grupo que alguna vez escuché.

En general el disco tiene esencia The Beatles en gran parte, y lo sé porque me encantan The Beatles y los escucho siempre, se nota. Pero el punto que le han dado al disco es tremendamente directo y monumental,

Si señores, me estoy planteando irlos a ver en el 2009 en mi ciudad, Madrid.

Built to Spill - Perfect From Now On

2008-09-23T13:36:00.004+02:00

Band: Built to Spill
Album: Perfect From Now On
Year: 1997
Genre: Indie Rock

El 30 de Octubre vienen a Madrid, a la Sala Caracol si. Creo que aún no soy plenamente consciente de la suerte que tengo de apenas llevar 1 año como mucho desde que conocí a Built to Spill y que vengan así, derrepente de gira.

Así que, después de engancharme a ellos y a ver dedicado más o menos tiempo a los discos suyos que más me han gustado o menos, he decidido comentar su disco Perfect From Now On.

Hablar de Built to Spill es hablar de una banda que transmite buen rollo. En el momento que la escuchas la sonrisa se alarga de oreja a oreja y sus melodías basadas en guitarras y punteos melódicos y coloridos nos hacen despegar hacia aquella escena Independiente americana de los 90, que vió crecer verdaderas bandas de raza Indie, como Modest Mouse, Pavement o Built to Spill.

Randy Described Eternity, primer tema del disco, con punteos echizantes en las partes tranquilas, los cuales podrían ser la banda sonora de los corales más bellos del mar, mezclando estas partes con otras que desembocan en emoción... así hasta cerrar estas bellas vistas en una explosión Noise, eso si, bien azucarada y melódica.

Si tu cerebro, tu razón aceptan que es Built to Spill, solo tendrás que dejarte llevar a lo largo del resto de este maravilloso album, y que mejor estación de tren que el segundo corte: I Would Hurt a Fly, donde se combinan punteos, violines y esa voz tan personal y a la vez amigable y cercana a mi subconsciente que tiene Doug Martsch.

Sucesivamente escuchas el disco: al principio casi ambiental y luego divertida Stop the Show, la pegadiza Made-Up Dreams, Kicked It In the Sun....

En resumen, un disco menos agresivo, más limpio y menos saturado que mis queridos Modest Mouse, pero donde las melodías hacen que sean dos grupos más parecidos de lo que parecen, y a la vez diferentes, me quedo con los dos.

Stereolab - Switched On

2008-06-17T01:44:00.005+02:00

Band: Stereolab
Album: Switched On
Year: 1992
Genre: Indie Rock, Experimental

Una de las primeras bandas etiquetadas bajo la palabra "Post Rock". ¿Sus canciones? una sopa de letras que combina influencias tan dispares como la música Lounge e Easy-Listening de los 60, el Space Rock, (vease Spacemen 3 o Flaming Lips) o el Krautrock (los ya mencionados Can en este blog o Neu!por ejemplo), basada en melodias Pop sobre gritos electronicos provenientes de sintetizadores y órganos eléctricos. Todo ello, dirigido por preciosas voces y coros en frances e ingles, al más puro estilo Indie clásico y con sonido afilado.

Vanguardistas, experimentales, innovadores y explosivos.... así son ellos, una de las bandas más pioneras y estrategas de los sonidos de vanguardia de los 90. En este disco encuadernan sus tres primeros singles, canciones puras, naturales, sencillas melodias con bases y composiciones realmente envolventes y faciles de escuchar, las cuales se abren a la primera escucha con gran facilidad.

Sus guitarras, sus melodias, sus acordes y sus voces y coros recuerdan desde Yo la Tengo, Spacemen 3, Sonic Youth o Electrelane hasta My Bloody Valentine o Ride, tremendo documento sonoro.

The Beatles - The Beatles (The White Album)

2008-06-13T17:56:00.003+02:00

Band: The Beatles
Album: The Beatles (The White Album)
Year: 1968
Genre: Rock

The White Album: ¿El disco más grande de la historia?, ¿el disco más importante y representativo del Rock en todas sus vertientes a lo largo de la historia? Quizás si, quizás no. (Recordemos que también existen The Rolling Stones, The Who, Pink Floyd...)

Eso si, de lo que estoy seguro, es que aunque cualquiera discrepe sobre cuál es el mejor disco de The Beatles (unos dirán que es Revolver, otros Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y otros dirán que es Abbey Road), para medir el grado de importancia de una banda de Rock, hay que fijarse en la palabra: "Influencia", la cuál, va de la mano de otra palabra: "Revolución".

Primero fué la Revolución y luego el legado y la influencia. Revolución porque antes de los Beatles no había nada, bueno si, pero no era Rock, era la base del Rock: Rock'n'Roll, Blues, Country (y muy purista), Jazz, Surf, Soul y un buen puñado de Oldies. The Beatles supieron cojer lo mejor de cada casa, mezclarlo, y sentar las bases de la música de hoy en dia, tal cuál. Pero no solo Revolución musical, sino porque The Beatles tuvieron la suerte de estar en el momento exacto en la época exacta: la Revolución Social de los años 60 y 70, Vietnam, la Cultura Hippie, las drogas, EEUU y Londres y sus propias evoluciones musicales, una época dorada, donde el mundo Capitalista estaba latiendo al compás de millones de jovenes.

¿Y en cuanto a White Album? ahí queda, como el máximo icono de una época, de una Revolución, del cambio, del punto de inflexión de lo viejo y lo nuevo. No podría hablar de este disco por canciones, no tendría ni pies ni cabeza, y a su vez sería una falta de respeto descubriros esta JOYA a quienes no la conozcais, sería una putada.

Aún así, deciros que en este disco, Harrison, Lennon, McCartney y Ringo Starr explotaron sus talentos a nivel de composiciones individuales, rozaron el climax creativo y aún les estoy dando las gracias. Tantas canciones y tan variadas... tantos estilos mezclados en un solo album, Pop, Surf, Heavy (si si, Helter Skelter debió de ser el primer latido del Heavy), Swing, Country, Blues, y sobre todo ROCK.

Para mi, el mejor disco de The Beatles y el disco más importante del Rock y de su historia.

John Lennon - Imagine

2008-06-13T17:31:00.003+02:00

Band: John Lennon
Album: Imagine
Year: 1971
Genre: Rock

Retomo el control de mi Blog, después de una crisis narrativa me veo con fuertas, ganas, y sobretodo, tiempo para escribir.

Y que mejor forma que empezar hablando del disco que últimamente escucho sin parar, el mágico Imagine de Lennon.

John Lennon me recuerda a un viejo amigo del colegio, un chaval llamado Eric, fan a muerte de Beatles y Lennon. Siempre tocabamos juntos la guitarra en el colegio (junto a Lolo) yo no salía de las canciones de Nirvana, y el estaba a otro nivel, al nivel de Lennon. Después de tantos años, comprendo a Eric, y entiendo aquel enamoramiento platónico que sentía hacia Lennon, ahora la comprendo.

Imagine es un disco, que junto a John Lennon/Plastic Ono Band , podría decirse que es la continuación perfecta de los Beatles, pero con la firma y la identidad de Lennon, más mágico, más emotivo y más triste.

Imagine es el himno de la Paz Mundial, y hoy en dia sigue representado aquél espíritu de los 70, es una de sus obras más conocidas y bellas. Otras canciones como Crippled Inside y It's So Hard son más Rockeras y Countries.

Quizás, para mi, la canción más bella de esta maravilla de disco es Jealous Guy(originalmente titulada Child of Nature)otra de las canciones más famosas de Lennon.

George Harrison fué invitado para colaborar en Imagine, especial reseña al tema How Do You Sleep?, mediante el cuál, Lennon criticó a Paul McCartney.

Pearl Jam - Binaural

2008-02-12T18:47:00.000+01:00

Band: Pearl Jam
Album: Binaural
Year: 2000
Genre: Grunge

Hoy en casa, intentaba descubrir frente al espejo las huellas que está dejando el paso del tiempo sobre mi cuerpo, en mi cara, en mis ojos, los cuales reflejan una chispa de madurez, la cual me asusta, pero es la realidad, la cruda realidad, la consciencia de que realmente el paso del tiempo es implacable y destructor... mientras de fondo, haciendo de banda sonora a mi análisis personal, físico-temporal sonaba de fondo Nothing As It Seems, una de las mas bellas composiciones que he oido jamás: Pearl Jam, como no.

Y todo esto viene porque hace unos 9 años cambió mi forma de entender la música, de valorar las composiciones musicales, de sentir emcociones incontroladas y sentimientos desenfrenados, hace 9 años escuché Pearl Jam, tarde, y a la vez pronto.

Y es que 9 años después, son muchos años, son muchas arrugas, uno madura mentalmente, se va haciendo mayor, conoce cosas nuevas, ve mundo, tiene experiencias nuevas, sensaciones diferentes... y derrente, te das cuenta que algunas cosas, siguen siendo las mismas, cosas que te hacen feliz, que sin ellas no podrías vivir, que pertenecen a tu pasado y al dia a dia... en mi caso es Pearl Jam. Yo cambio, tu cambias, terminan las guerras, empiezan otras, cambian los Gobiernos, muere la gente, el mundo cambia y gira sobre si mismo, pero las canciones de Pearl Jam se mantienen jovenes, seductoras y reivindicativas en mi interior, en mi mente; ellas, nunca cambiarán.

Empezé a tontear con Pearl Jam hace unos 10 años, cuando un dia, decidí comprarme el album VS (1993), entonces me olvidé de toda la música que había escuchado en los 6 años atrás, fué un lavado de cerebro, absoluto. Con un ansia incontrolada empezé a devorar todo el material de Pearl Jam, todo.

Es gracioso, como el paso del tiempo, hace ver las cosas desde otro punto de vista, de entender y analizar situaciones desde puntos de vista totalmente diferentes. Eso me pasó con Binaural (2000). Disco que fué de menos a mas. Y de mas hasta rozar climax sonoro y sentimental. No sé decidir que disco de Pearl Jam es el mejor, ni el que mas me gusta, pero puedo decir, que Binaural es de los que mejor aguntarán el tiempo, eso seguro.

Y ahora, después de esta gran introducción personal, ya me siento capacitado y suficientemente a gusto para analizar, para vosotros, mi opinión sobre este disco: Binaural.

Pearl Jam - Nothing as it Seems (Live Nurnberg '2000)

Fué, y es, el disco mas criticado de Pearl Jam, por la sencilla razón de ser un disco diferente, ¿pero diferente en que aspecto? en nada, la único diferente que hay es la mágia que desprende en comparación con los demás. Es el disco mas experimental, junto con No Code (1996), y eso, a los fans y críticos mas clasicistas les asustó. A mi también me asusto al principio, tenia miedo de que Pearl Jam tomasen otro rumbo, al final no ha sido así, simplemente, fué el momento y lo que ellos sentian en ese punto en el tiempo, y toda esa unión se plasca en los 13 cortes de Binaural. 13 canciones y de las B Sides, especial hincapie en la joya llamada Sad.

Lo demás es historia, y no voy a hablar de ninguna canción de Pearl Jam, podría escribir y escribir, eso os lo dejo a vosotros.

The Cure - Bloodflowers

2008-02-10T23:02:00.000+01:00

Band: The Cure
Album: Bloodflowers
Year: 2000
Genre: Alternative Rock, Post Punk, Gothic

Siempre intento recomendar en mi Blog buenos discos, por ello, siempre hablo, por norma general, muy bien de ellos. Y con este disco me pasa lo mismo, The Cure es una de las bandas que mas me gustan, y que considero a su vez, una de las bandas mas importantes a todos los niveles.

Después de ver en el año 2004 a The Cure en directo en el Xacobeo, creo que pocos grupos me podrán enamorar tanto, dificil. Y tengo la suerte, de verles ahora en Marzo del 2008 otra vez, ya os contaré.

Tras álbumes de gran presupuesto y desigual resultado como Wild Mood Swings (1996), Bloodflowers (2000) supone la reivindicación absoluta de unas de las bandas mas grandes de todos los tiempos.

Bloodflowers (2000) forma junto con Disintegration (1989)las dos piezas mas bellas de The Cure.

Así pues, Bloodflowers representa la seriedad, reflexión y madurez a nivel personal y compositivo de Robert Smith. Disco bello, cuidado y mimado hasta el mínimo detalle, hace de él una obra de arte, una dulce melodía sin retorno para nuestros oidos. "Atmósferas" y "Belleza" son las palabras que siempre van asociadas a The Cure, y en este disco, se hacen notar latido tras latido.

Un disco como este merece ser escuchado de principio a fin: desde la bonita y bella Out of this World, pasando por la depresiva Watching Me Fall, la romántica y sensual Where The Birds Always Sing, Maybe Someday o la lejana, triste y sentimental The Last Day of Summer de una belleza que asusta.

solo disfrutar.

Elliot Smith - Either/Or

2008-01-29T20:33:00.000+01:00

Band: Elliot Smith
Album: Either/Or
Year: 1997
Genre: Indie Folk

Martir del Rock. Un triste final para un hombre que llevaba como bandera la palabra dolor. Un dolor interno, tristeza aferrada a su corazón, y que sabía, y de que manera transmitirlo.

El lado más íntimo, precioso y natural se expande gemido tras gemido en este disco intimista, y mágico.

Either/Or (1997) fué grabado en la intimidad, con una producción pobre, pero ese hace del disco, algo especial.

Speed Trials habre este joya, tristes acordes, voz y gemidos recrean un ambiente de dolor e intimidad, haciendo de esta canción algo realmente bello.

No tienes tiempo de asimilar tal belleza de canción como Speed Trials y ya estás escuchando Alameda, segundo corte, con una belleza sin igual, con unos acordes transparentes, y una voz que nos presenta en bandeja, el alma de Elliot Smith, desnuda y sin complejos, eso si, marchita por tiempos pasados imposibles de olvidar.

Ballad of Big Nothing no es más que la continuación natural del disco, destripando dolor con acordes tristes y un estribillo celestial.

El momento más bello podría ser para la canción Between the Bars, una de sus canciones más amadas por las almas desconocidas que han sabido compartir su dolor, tremenda soledad.

Punch and Judy otra canción que enamora, una exquisita composición. Angeles es de las que más me gustan, por su simpleza, por su estribillo, por esa capacidad de hacerme participe de su intimidad.

No podría dejar de hablar de esta joya de disco sin nombrar el tema Cupid's Trick, de las que más me gustan, quizás se sale un poco de la estética del disco, siempre y cuando entendamos por ello que utiliza distorsión en la guitarra y es quizás mas rockera, incluso, encierra en sí el tema, un espíritu Grunge. Me encanta.

Señoras y señores, este disco es de los que merecen la pena, intimidad a gritos.

Salud.

Low - The Great Destroyer

2008-01-12T16:01:00.000+01:00

Band: Low
Album: The Great Destroyer
Year: 2005
Genre: Slowcore, Indie Rock

Hay momentos en la vida en lo que lo más sencillo e insignificante se transforma en un mundo, pero solo lo puedes entender tu, eres el protagonista. Cierra los ojos... siente el escalofrio que se agarra a tu espalda y que inutiliza tus funciones vitales. Ese escalofrio es Low, es un escalofrio cargado de un amplio abanico de sentimientos subterraneos y oscuros con melodias dóciles.

Así me dejó este disco al oirlo por primera vez, en mi soledad, contemplando acorde tras acorde, compás tras compás y ver como los latidos de mi corazón se acompasaban a las canciones.

Vi en el año 2003 a Low presentando Trust (2002), que abrían el concierto a Radiohead (si, fuí de los afortunados, lo sé) y no les conocía. Desde el principio me atraparon, dejé de pensar en Radiohead y me quedé hipnotizado. Y hoy, después de 5 años, y escuchar sus discos, quería hablar de The Great Destroyer (2005), quizás, su punto de inflexión? quizás...

The Great Destroyer (2005) sorprende a los que conocemos a Low. Tal vez porque los momentos de calma son los menos abundantes (no como en otros trabajos). Las canciones son rápidas (dentro del mundo de Low) y las guitarras hirientes.

Estamos ante unos Low "más accesibles", y eso no quiere decir que los demás discos carezcan de algo, simplemente, necesita menos escuchas para entenderlo, nada más.

Abre el disco Monkey, minimalismo cuidadisimo, belleza, oscuridad y seducción. Desde el primer segundo quedas enganchado al mundo depresivo de Low, tremenda canción, perfectas atmósferas Slowcore.

California tema más convencional, más colorido, estribillo pegadizo, y un fondo mas Rock.

Everybody´s song de los temas más destacados, es como un cuchillo afilado: “vive tu vida / tu estúpida vida / nadie la tiene mejor” . Mezcla distorsiones y un Noise bien tratado bajo pesadas bases, como un reactor que está apunto de explotar, pero de forma continuada.

Silver Rider envolvente atmósfera litúrgica. Coros celestiales y atmósferas Low, perfecto para un momento perfecto.

Cue the strings su cima emocional, tema celestial y emotivo, mientras que Step es la otra cara de la moneda. Vuelta a lo oscuro y pesado con un estribillo pegadizo lleno de melodía y palmas.

When I go Deaf es de aquellas canciones que nunca olvidas, que siempre podrias utilizarla para ponerla como banda sonora de alguna parte de tu vida. Preciosa canción, suave y sugerente con un subidón al final, al puro estilo Post Rock, que pone los pelos de punta.

Broadway (So Many People)de mis preferidas, con voces penetrantes en los parones entre medias, con una melodia vocal realmente bella, cargada de eco y una guitarra con un punteo precioso, el cierre del tema es realmente bonito.

Pissing impresionante crescendo que deja literalmente sin habla. Poco a poco parece que va viniendo el fin del mundo al oir esta canción. De menos a más va subiendo la intensidad, con unas voces que se entremezclan perfectamente y que envuelven de una forma contundente.

Para cerrar el disco nada mejor que Walk Into the Sea.

Sigur Rós - Ágætis Byrjun

2007-12-17T20:23:00.002+01:00

Band: Sigur Rós
Album: Ágætis Byrjun
Year: 1999
Genre: Post Rock

Escuchar este disco de Sigur Rós es admirar los pequeños detalles, las pequeñas cosas que hacen que el mundo siga funcionando. Escuchar Sigur Rós, y en especial Ágætis Byrjun (1999)es como pasear por un bosque gélido y frio, solitario y con niebla abundante, pisando hojas secas, admirando la belleza que a uno le rodea, hasta el punto de mimetizarnos con la naturaleza.

Sigur Ros se formó en el año 1994 en Reykjavík, Islandia. Y una curiosidad es que el idioma de sus canciones es islandés o un dialecto inventado. En cuanto a el nombre Sigur Rós viene dado en honor a la hermana de Jón Þór, llamada Sigurrós, la cual nació el mismo día en el que crearon la banda, bonito nombre.

Disco recomendado por mi para escucharlo en soledad y momentos tranquilos. Bonitos pianos, dulces guitarras, violines cantarines y sobretodo una voz camaleonica y hipnótica que se fusiona con los propios instrumentos llegando a parecer a veces una Nana para dormir a un bebé.

Aunque las canciones transmiten paz y tranquilidad, la mayoria encierran centro de sí un mundo frio y solitario, es como estár perdido en medio del Bosque de Thor (Reykjavík, Islandia) rodeado de niebla y glaciares sin rumbo. Las canciones Svefn-g-englar y Flugufrelsarinn me transmiten estas sensaciones, y la verdad, creo que es dificil transmitir sensaciones mediante música, y creerme, Sigur Rós lo consiguen.

Otros temas temas como Starálfur y Olsen Olsen están llamados a ser los temas más accesibles y fáciles de recordar, no por ello dejan de perder la frescura y la frialdad del disco, pero si contienen una pequeña dosis de tranquilidad y calidez.

Enormes.

For Against - Echelons

2007-12-16T23:51:00.001+01:00

Band: For Against
Album: Echelons
Year: 1986
Genre: Post Punk

Post Punk desde EEUU, si, es cierto. For Against llegaron desde el frío de Nebraska a mediados de los 80 para ejecutar una música en la que predominaban los ambientes etéreos, las voces con eco, y donde el bajo y la batería, muy marcados(recuerda a Joy Division y New Order) tomaban el mando de la melodía y acercaban el pop a una nueva dimensión. En definitiva, una banda americana de Post Punk, algo raro.

For Against debutaron en 1986 con su gema siniestra Echeleons, perfecta y deslumbrante muestra de la capacidad emotiva que derrochaban por aquellos entonces: se nos presenta un trabajo fresquísimo, que aún rezuma cuerpo, sustancia, melodía arrebatada, juventud y brillantez.

Conocí a For Against por el video de Echelons, el cual me mantuvo pegado a la caja tonta con la boca abierta, pensé: ¿quien son estos? no pueden ser un grupo de ahora, ya no se hace esta música. Esperé mientras contemplaba atónito el video hasta que me quedé con el nombre del grupo. Investigé sobre ellos, me hice con la discografía, y después de escucharla, y centrarme sobretodo en el disco Echelons aquí estoy, para escribrir mis impresiones.

Lo escuchas y piensas en Joy Division, en New Order, en The Cure, pero también piensas en My Bloody Valentine, en Ride, su único pecado: no haber nacido en UK y haber tenido más pegada como grupo en aquella época.

Shine abre el disco, con una base claramente Post Punk, te viene a la mente esos oscuros años 80, depresivos y enfermizos. Shine suena como un himno que quiere dar banda sonora a una época.

Daylight y Get on with it son el segundo y tercer corte, los cuales siguen la estela de Shine. For Against nos van enseñando sus cartas antes de tiempo y podemos ver de que trata este album: temas directos, con un bajo con una linea punk, en general, temas oscuros con buenas melodías.

El himno del disco: Echelons se desmarca de la línea que siguen las canciones del disco. Una canción que podría ser perfectamente etiquetable como "los principios" del Post Rock. A la vez me recuerda un poco a las canciones de Sonic Youth de su primer disco Sonic Youth LP y de el Confusion is Sex pero suprimiendo el Noise de tales discos. Echelons es una oda a lo depresivo, a lo oscuro, pero a la vez es algo atractivo.

It´s a Lie canción con espíritu Post Punk, puro extasis y pura energía, de los mejores cortes del disco. Autocrat otro temazo envolvente, con un gran bajo y dulce melodia en las voces, que te hacen viajar al mundo particular de For Against.

Forget Who You Are es un corte más propio de The Cure, canción más suave, más cargada a la vez, con redobles de bateria que se mezclan con los aullidos de un órgano, nos hace participar en una procesión de almas que explota en un estribillo etéreo y sobrecojedor.

Pink Floyd - Meddle

2007-12-09T19:38:00.000+01:00

Band: Pink Floyd
Album: Meddle
Year: 1971
Genre: Rock Experimental

Obra Magna del Rock. Disco que abre una etapa nueva compositiva de Pink Floyd bajo un nombre: David Gilmour, el maestro y el mayor genio del Rock.

Meddle (1971), mi disco preferido junto al The Piper at the Gates of Dawn (1967) y Darkside of the Moon (1973) es el punto de inflexión, es otro mundo.

La locura, la experimentación, el ruido... de los anteriores discos dejan paso a otra forma de entender el Rock Experimental. Grabado durante la gira de Atom Heart Mother, responde al deseo de encontrar un sonido nuevo, a la necesidad de un cambio radical.

Abre con el tema One of These Days, tema instrumental que posee sonidos graves y una guitarra con elevada distorsión. Durante la canción, se escucha a Nick Mason, a través de una amplificador de guitarra, con un efecto de pedal, decir: One of these days, I'm going to cut you into little pieces (Uno de estos días, voy a cortarte en pedacitos). Originalmente el tema era más largo y fue acortado.

Después de escuchar una canción tan enérgica como One of These Days, lo que uno no se espera es que las demás canciones sean tan diferentes; son como volar por las nubes, temas tranquilos, suaves, muy cuidados con una exquisitez que llega "casi" a la perfección, que luego si que tendrán los temas del Darkside of the Moon, empezemos a destripar el disco:

A Pillow Of Winds es uno de los temas más bellos de todas las composiciones de Pink Floyd. Belleza y tristeza por los cuatro costados. La dulce voz de David Gilmour y la guitarra hace sentirse a uno flotando en el mar y dejandose llevar por la corriente en una noche estrellada. Mágico tema.

Fearless es la evolución y continuación natural de A Pillow Of Winds. Misma amalgama de dulces voces y exquisitas guitarras. Al final del tema empieza a escucharse el himno de el equipo de futbol Liverpool, una granación de todos los seguidores cantando el bonito y mítico You'll Never Walk Alone.

La siguiente canción es San Tropez canción elegante, con Richard Wright al piano haciendo las delicias de todos y Roger Waters cantando bajo los hipnóticos y cálidos acordes y punteos de Sir Gilmour.

Seamus es un blues en el que se escuchan los aullidos del perro Seamus. Previamente el tema se llamó Mademoiselle Nobs (bajo este nombre aparece grabada la canción en el espectacular Live at Pompeii)

Cierra el disco la composición más importante, bella, enorme y grandiosa del Rock bajo mi opinión y gusto: Echoes

Echoes de las canciones más grandes de Pink Floyd, donde se ve el buen gusto de las composiciones del David Gilmour.... tema muy extenso, resultado de la combinación de 36 fragmentos independientes, que fueron siendo reinterpretados y editados para formar la pieza final que se conoce. Los punteos ponen todos mis sentidos a flor de piel y mis sentimientos no responden a otro estímulo que la propia canción. Es lo más bello que he oido en mi vida. Se mezcla la melodia en la Parte I de la canción con la psicodelia y la experimentación de la Parte II de la canción: es tomar las estrellas del firmamento.

Echoes Part I

Echoes Part II

Frank Zappa - Hot Rats

2007-12-07T18:26:00.000+01:00

Band: Frank Zappa
Album: Hot Rats
Year: 1969
Genre: Rock, Jazz, Experimental

Hot Rats (1969) uno de los mejores discos de la historia, de los más elaborados y trabajados, inmenso en su conjunto. Dificil de criticar, solo hay que sentarse, escucharlo y admirarlo, nada más.

Frank Zappa era un adelantado en la época... como otros pocos artistas. No solo porque tenga la friolera de unos 60 discos, sino porque fué capaz de tocar con una banda básica hasta tocar y dirigir orquestas en sus discos, un auténtico mito del Rock amigos.

Frank Zappa se hace acompañar en Hot Rats por excelentes músicos como Sugarcane Harris o Jean-Luc Ponty al violín, así como del fiel Ian Underwood, pero es su increíble juego de guitarra, que brilla a lo largo de todo este disco magistral.

Y es que este disco es su pieza clave, en la mayoría instrumental, no deja de sorprenderme. El Zappa más psicodélico, jazzero y rockero. Llevo 3 o 4 años escuchandolo y sigo hipnotizado. Este álbum fue el que le hizo ganar a Zappa reputación como guitarrista. Ningún "periodista" se atrevió a hablar mal de él aún. En este disco podemos encontrar antológicas composiciones de rock y jazz llevadas al climax musical: Peaches en Regalia, Willie The Pimp, Son of Mr. Green Genes (mi tema preferido, que punteos, como rompe, pufff)... sublime, grandioso, PERFECTO.

Can - Future Days

2007-12-07T18:05:00.001+01:00

Band: Can
Album: Future Days
Year: 1973
Genre: Krautrock, Experimental Rock

Mientras King Crimson o Pink Floyd abrían nuevos caminos en el Rock con sus discos experimentales y conceptuales, en Alemania había nacido un estilo, el Krautrock o Kraut Rock. Bandas con las mismas inquietudes que Pink Floyd, Yes o King Crimson , un claro ejemplo es: Neu!, Faust, o como no Can.

Este es su 5º album, el cual puede incluso "rozar" el Ambient Rock. Temazos muy elaborados, con una gran base rítmica. En este album la voz de Damo Suzuki pierde importancia, he incluso parece otro instrumento más. Son 4 canciones.

Abre el disco Future Days, la cual es la perfecta presentación del disco, con una base rítmica entre el Jazz y el Rock; punteos atrapantes y envolventes.

El segundo tema es Spray, donde juegan más con el organo y los ritmos étnicos (cuanto LSD se metían estos tios?), es otro tema que te lleva a un mundo diferente, de miedos e inquietudes.

El tercer tema es Moonshake quizás la más accesible para gente que no logre dar un sentido a la música de Can, vamos, en definitiva, tema más comercial, pero sin serlo. Este tema me recuerda junto con Future Days a los primeros discos, tema con un sabor añejo a los 70. Cuando la escuchas piensas: ¿por que no tenia 25 años en los 70?.

Por último cierra esta obra maestra Bel Air. Al igual que Pink Floyd, Can cierran su disco a lo grande, con un tema largisimo de 19:53 min....si es que..... estas cosas ya no se hacen.... que pena. Es un temazo, con varias partes, muy experimental, les gusta llegar a todo. La voz se sale, brutal, la bateria lo mejor, los sintetizadores, guitarra... es una explosión de calidad y de capacidad de creación, como todo este disco en su conjunto. FUNDAMENTAL.

Television - Marquee Moon

2007-12-02T22:48:00.001+01:00

Band: Television
Album: Marquee Moon
Year: 1977
Genre: Art Punk, New Wave

Situemonos: estamos en aquella New York de los años 70, donde la música pasó sus noches más locas y su etapa de oro: los primeros conciertos en el CBGB (Television fue el primer grupo que actuó en el mítico CBGB) y como no Patti Smith, The Ramones, Blondie, The New York Dolls, Talking Heads y Television entre otros grupos estaban poniendo patas arriba la ciudad, la cultura y el arte, bajo la atenta mirada de Andy Warhol.

Marquee Moon (1977) es uno de los discos debut más impresionantes de la historia de la música, y uno de los discos clave del Rock, y eso que en su momento pasó algo desapercibido. Contiene una de las visiones más originales y transgresoras del rock que jamás se hayan recogido. Tom Verlaine guitarra y cantante lider de Television consiguió sacar un sonido realmente peculiar y original a los temas: desde la perfecta fusión melódica de las guitarras de Richard Lloyd y Tom Verlaine hasta la voz. En definitiva, estamos hablando de un disco de culto.

Cualquier canción del disco te hace flotar y llegar al éxtasis, me imagino que la gente que tuvo el privilegio de ver a Television en garitos cerrados y cargados de humo debieron de quedar marcados. Algunos de los temas más increibles y grandiosos de esta obra sublime son: See No Evil, Venus, mi preferida Friction (como suena esa Fender Jazzmaster, si señor) o Marquee Moon... aunque con esta clase de discos, uno no puede buscar el "tema estrella" y no escuchar lo demás, eso es sacrilegio.

Belle and Sebastian - If You're Feeling Sinister

2007-11-30T20:13:00.001+01:00

Band: Belle and Sebastian
Album: If You're Feeling Sinister
Year: 1996
Genre: Indie Pop

Indie Pop y Folk Rock con fuerte inspiración de los 60, con claras influencias (como no) The Velvet Underground, Left Banke, Simon & Garfunkel o Nick Drake.

Simples como dos acordes, originales como pocos. If You're Feeling Sinister (1996) es entender el Indie Pop en su expresión más elegante y sugerente. Banda brillante en su arquitectura melódica, calidez y delicadeza en la ejecución instrumental.

simples melodías con una dosis de felicidad apta para esos dias tristones que muchas veces tenemos.

Este disco es la banda sonora para cambiar esa cara triste: trompetas, armonicas, violines, pianos, bonitas melodias (a veces agridulces) simples acordes y bases, pegadizos coros, y una voz muy melosa y agradable hacen que este disco sea de facil escucha... al cual se le coje cariño.

Temas como The Stars of Track and Field (increible canción, de verdad), o temas como Seeing Other People, The Fox in the Snow o la dulce Get Me Away From Here, I'm Dying abanderan esta obra indispensable para aquellos amantes del género.

Pavement - Wowee Zowee

2007-11-23T17:03:00.000+01:00

Band: Pavement
Album: Wowee Zowee
Year: 1995
Genre: Lo Fi, Indie Rock

Banda de culto para los "gafapastas" e indies ententidos. Banda no comercial, de la cual no muchos tenemos el gran privilegio de oir, admirar, envidiar y sobretodo, disfrutar. Pavement es una de las bandas más importantes de el panorama independiente de los 90, liderada por Stephen Malkmus. Lo que no entiendo aún, es porque a la gente le cuesta escuchar tanto este grupo, no es la primera vez que se los presento a alguien y no lo aguanta... para gustos, colores.

Wowee Zowee (1995) es el tercer disco de Pavement, siguiendo la estela de sus dos obras maestras: Slanted & Enchanted (1992) y Crooked Rain, Crooked Rain (1994)donde el sonido y el disco es más accesible. En Wowee Zowee se intentan mostrar más variados y experimentales que en sus previos trabajos y el sonido cada vez va adquiriendo un cariz más pulido.

Recibido con disparidad de opiniones, el álbum "suena" un poco a todo, tiene cortes Lo Fi, Indie Rock, Garage Rock, Noise o incluso Folk Rock. Quizás sea el disco más Rock y ecléctico que Pavement tiene.

Destaco el tema Rattled by the Rush puro estilo Pavement, melodía pura, furiosos punteos. Black Out tema tranquilito, preciosa melodia, punteos que miman el oido del oyente, que lo arropan con las dulces guitarras y la voz.

Grounded es una sencilla canción, con guitarras que logran domar las distorsiones; otro tema que me pone los pelos de punta, espejo infinito a quellos maravillosos años 90. Father To A Sister of Thought sigue siendo de mis preferidas, con una melodia Pop y punteos tirando al Country hacen de ella no solo una bella canción, sino uno de los temas más representativos del disco.

Extradition sin lugar a dudas de los temas más experimentales, mezcla de punteos esquizofrénicos y distorsiones domandas, muy original.

Pueblo de los grandes temas de el disco. Poco a poco, nos va envolviendo este tema, que "sabe" a despedida,aunque no cierra el disco; punteos muy en la onda de los útimos Sonic Youth.

Godspeed You Black Emperor! - Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven

2007-11-18T23:42:00.000+01:00

Band: Godspeed You Black Emperor!
Album: Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven
Year: 2000
Genre: Post Rock

Canadienses creadores de un Post Rock muy orquestal, poco convencional (aparte de guitarras, bajo y percursión) haciendo uso de violines, piano, celo, cuernos, etc.

Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven (2000) es un disco estructurado y concebido más como una sinfonía que como un disco convencional. Los 4 temas del disco están compuestos por movimientos o diferentes partes a su vez, con diferentes sub-títulos, que se suceden uno detrás de otro haciendo alusión a la pasaje de la canción en la que nos encontramos. El álbum entero es instrumental, excepto por algunos fragmentos hablados.

Luego como he comentado antes, los 4 temas son creados para que el oyente lo entienda como una sola pieza musical, en la cual uno podrá saborear los oscuros pasajes propuestos por Godspeed You Black Emperor! en este disco.

Storm abre esta magna obra. Gran canción con una fuerte carga emotiva, muy al estilo Post Rock más convencional, con pasajes muy adictivos y con fuerte carga sonora.

Quizás la otra cara de la moneda la representa el tema Static que transmite frio, oscuridad y melancolía, con un violín que sugiere dolor, parece un llanto...

Sleep es un suave susurro de guitarras y violines que durante los primeros largos momentos del tema te transmite paz, hasta que poco a poco va degenerando el tema en una anarquía sonora.

En mi opinión un gran disco, no apto para gente "sin paciencia" y sin un mínimo de criterio y cultura musical.

Tortoise - TNT

2007-11-17T18:20:00.000+01:00

Band: Tortoise
Album: TNT
Year: 1998
Genre: Post Rock

Dificil de calificar, dificil de críticar, dificil en encasillar. Esto significa que estamos ante algo diferente. Es Post Rock, pero si el Rock (en este disco, cuidado). El Jazz hace presencia en los diferentes cortes, pero no es solo Jazz, es algo más, es la fórmula secreta de Tortoise.

La base es claramente Experimental, y se hacen ver las dotes de los músicos, grandes en sus labores, conocedores de sus cualidades, nos dejan estupefactos con sus grandes composiciones y dotes, vaya disco Señoras/es.

Una guitarra austera, varios synthes perfectamente bien grabados, y dos baterias (si, dos) hacen las delicias de los oyentes. Es un disco suave, enigmatico, tranquilo, atmosférico y atemporal.

TNT canción que, personalmente, me habría encantado componer, me parece perfecta. Una guitarra que nos quiere "hablar" nos quiere "sugerir" algo, mientras las dos baterias hacen las delicias de mis oidos y crean una base rítmica envolvente. Poco a poco empieza el tema a "captar" mis sentidos, terminando por "raptar" mis sentimientos y me lleva a un mundo mágico en el que me siento agusto y protegido.

Swung from the Gutters nos lleva a paisajes más ácidos, con el Jazz más presente, con una elaborada base experimental. Grandes arreglos, me parece otro gran tema.

Ten-Day Interval quizás es el corte más diferente del disco, experimental y personal. Utilizan de base el Xilófono, que poco a poco se va fusionando con el piano y la guitarra, y me envuelve de una forma imparable... Tortoise en directo deben ser increibles.

I Set My Face to the Hillside empieza con la base de fondo, de niños gritando y hablando, y sobre ello entra una guitarra que recuerda a Calexico, acompaña con ritmos con un sabor a desierto, un sabor mariachi o mexicano, que desempoca en otro mar de xilófonos envolventes.

The Equator es el último corte, minimalista, muy cuidado, con base de sintetizadores mezclado con una guitarra jazzera que me recuerda (aparte) a David Gilmour, la cual hace de sintonía del Universo, de la Galaxia.

My Bloody Valentine - Loveless

2007-11-17T17:20:00.000+01:00

Band: My Bloody Valentine
Album: Loveless
Year: 1991
Genre: Shoegazer

Una de las obras maestras del Noise y del Indie.

En una palabra: Shoegazer. Así tengo que empezar. Feedback quizás sería la segunda palabra que utilizaría.

Tenía pensado hablar de esta auténtica joya de disco más tarde, pero la noticia de que My Bloody Valentine se han reunido (dicen que van a grabar nuevo album para 2008 rescatando temas posteriores a la grabación de Lovelees, regrabandolos, arreglandolos, adaptandolos a sus nuevas ideas, y junto a ellos incluirán nuevos cortes) y ya han cerrado 3 conciertos en UK para el 2008 me ha hecho adelantarme a tal crítica.

Volvamos al principio: "Shoegazer" o "Shoegazing":

Shoegazer fue un estilo musical que nació a finales de los 80 y principios de los años de los 90 en el Reino Unido: Este estilo consistia en la creación de música mediante "muros de sonido"; esto es, guitarras cargadas de potentes distorsiones, Feedback, y otros efectos que creaban una base potente y ruidosa en la cual se esconde la melodía. Los grupos más importantes de la escena fueron My Bloody Valentine (autores del disco fundamental del género, "Loveless", editado en 1991), Ride, Slowdive, Lush, Swervedriver y Chapterhouse entre otros.

En definitiva, uno de los discos más importantes de los 90, y que ha influenciado a un gran puñado de grupos, y eso solo lo logran los auténticos discos.

Abre el disco Only Shallow, y en los primeros segundos por fin entiendes que significa Shoegazer. Poderosas guitarras crean un "muro sónico" de distorsión impenetrable, en la cual la melodía se hace presente en la voz dulce y a veces sensual de Bilinda Butcher (cantante junto a Kevin Shields)

Loomer crea una atmósfera etérea indescriptible. la voz susurrante de Bilinda Butcher consigue atrapar todos mis sentidos y dirigirlos solo a la escucha de la canción. Bella canción.

When You Sleep otro corte a destacar, a la voz Kevin Shields. Representa el Shoegazer más tranquilo y alegre. Preciosa pieza.

Sometimes para mi, el tema más "bello" del disco, y de las piezas más importantes. Es paz, es sencillez, es perfecto. Único tema con guitarra acústica, con otra guitarra haciendo una base suave de distorsión de fondo.

En Resumen, ante mi tengo un disco (que compré hace varios años, y baratito) y no puedo decir otra cosa que, suena atemporal. No es para escuchar todos los dias, es para escucharlo en los momentos más personales de cada uno, y poder saborearlo. Uno se siente único en el mundo y con suerte al poder ser de los "privilegiados" que conoce este grupo.

Depeche Mode - Violator

2007-11-17T16:21:00.001+01:00

Band: Depeche Mode
Album: Violator
Year: 1990
Genre: Synthpop

Para mi el mejor disco de Depeche Mode: album oscuro, elegante, sentimental, minimalista y con clase. Disco con increbibles "arreglos" orquestales, sintetizadores, beats, y donde se atreven a meter elementos de Rock, guitarras y riffs enfermizos que se te adhieren al alma.

Depeche Mode alcanzó con este disco unas cuotas de calidad verdaderamente asombrosas. Si a esta pequeña descripción del disco le sumamos los singles Personal Jesus y Enjoy the Silence (aparte de los otros dos singles World in My Eyes y Policy of Truth editados más tarde) tenemos un auténtico discazo.

World in My Eyes abre el disco, temazo con una voz penetrante, fría y oscura que entra en tu corazón como una flecha. La sigue Sweetest Perfection otro tema igual de frio, triste, oscuro y... bello, sentimental.

Personal Jesus es un auténtico himno. Crítica a la excesiva comercialización que se hace de la religión. Perfección compositiva y increibles arreglos, simplemente perfecta.

Halo tema con una base muy oscura, que poco a poco va dando paso a sonidos rítmicos de sintetizador, progresando, de menos a más en efectos añadidos hasta un estribillo intenso.

Waiting for the Night para mi el tema más minimalista, con una "suave base de sintetizadores" que trasmite paz y crea una burbuja de armónia dulce y que transmite tranquilidad, y a la vez me transmite temor y miedo (no se a qué) en ciertos momentos.

Enjoy the Silence probablemente la mejor canción que Depeche Mode han hecho jamás. Para mi, una de las canciones que elegiría para la banda sonora de mi vida.

El tema se revela como un homenaje a la música misma siguiendo el principio de que el intervalo entre nota y nota es el que da la armonía; o sea, el silencio.

En definitiva, mezcla de sentimientos, belleza y perfección se juntan en este disco, y en esta canción alcanzan su máxima expresión, solo tienes que dejarte llevar. Desde que escuché por primera vez este tema con tan solo 8 años (ni me acuerdo) siempre he tenido la sensación de que esta canción a pertenecido a mi vida, a mi pasado, de forma indirecta. Representa pues, tanto este disco como este tema, una pequeña banda sonora de mi vida.

Policy of Truth el último single del disco. Otra de las canciones más bellas, siguiendo la estela y la vanguardia que se plasma en este album.

Spoon - Girls Can Tell

2007-11-09T00:08:00.002+01:00

Band: Spoon
Album: Girls Can Tell
Year: 2001
Genre: Indie Rock

DISCAZO. Madre mia, otro pedazo de disco! Uno de mis mejores amigos, Alvarito, me dijo: "Este es el mejor disco de Spoon, tienes que oirlo", me puso dos temas y pensé: "no siguas, esto es perfecto".

Pues bien, Spoon es la cara "No Comercial" de Wilco, son americanos, de Texas, y mezclan su particular Indie Rock con una fina base Experimental.

Sus canciones son claras, instantáneas, pero a la vez impredecibles e imprevisibles, con un gusto compositivo minimalista, exquisito, maduro y bello.

Hablar de Girls Can Tell (2001) es hablar de su mejor disco hasta la fecha, aunque ojito con Ga Ga Ga Ga Ga (2007), que es otro discazo del cual algún dia hablaré.

El disco empieza con Everything Hits at Once, la cual no "destapa" lo que será el disco, para nada. Tema directo, muy maduro, una voz dulce dulce, acompasada a la perfección con las guitarras hace que me derrita, que canción tan grande!

Believing Is Art no se que coño decir para definirla, no lo sé, es increible, el ritmo, el rollo que tiene, es perfecta. La siguiente canción es Me and the Bean otra perfección de tema, una poesía cristalina, una composición envidiable y apasionante.

Lines in the Suit es la cuarta canción, y cuando la oyes te preguntas: "¿que ha pasado durante mi vida que nunca he tenido ni una señal de vida de este grupo?" vaya canción, la voz, el ritmo, es perfecto amigos, estoy intentando desglosaros una "Obra Magna" y nosé como hacerlo, me resulta dificil poder hablar de este disco, es imposible buscarle adjetivos.

1020 AM guitarras acústicas y una melodía de voz que me hace volar...

En definitiva, uno de los grupos más grandes de ahora, pero cuidado, que su primer disco Telephono (1996) vió la luz hace 11 años ya, y tienen Spoon a sus espaldas 6 discazos.

Andrew Bird - The Mysterious Production of Eggs

2007-11-06T18:38:00.002+01:00

Band: Andrew Bird
Album: The Mysterious Production of Eggs
Year: 2005
Genre: Indie, Folk Rock

"cuando la música no admite descripción, es porque realmente es verdadera"

Este disco no "huele" a promesa, es una de las obras más bellas de la música.

Escuchar a Andrew Bird es sumergirte en un mundo de fantasía, donde todo es posible, donde todo vale, donde puedes hacer lo que quieras, y el es lo que hace en este disco, lo que quiere. Y no solo sabe componer preciosas canciones, diferentes al resto, el chico canta, toca la guitarra, el violín, y para los más curiosos el mismo se proclama un "silbador profesional" en fin...

Llevo escuchando este disco escasos meses, y no deja de sorprenderme sus estructuras, la facilidad que tiene Andrew Bird de meter diferentes instrumentos, hacer tantos cambios en las canciones y quede tan bien.

Cuando empiezas con este disco piensas: "pufff, ¿un cantautor intimista?" sin embargo, según vas escuchando el disco, te das cuenta que hay algo nuevo, especial y mágico en este hombre. Descubrimos a un hombre con una gran capacidad de crear sensibilidad al oyente, apoyandonse en su guitarra, violín, voz, y en sus silbidos, como silba, merece la pena.

Y no, Andrew Bird no es un egocéntrico cantautor que es él y su voz, no. hay guitarras, arreglos, estructuras marcianas, y estribillos Indie Pop bellísimos, como en el tema Opposite Day, es increible.

La linda, amigable y bella Sovay abre el disco después de una introducción, canción que no destapa el disco, ya que cada tema tiene su personalidad, pero eso si, que bellos estribillos, y que voz!

El tema Fake Palindromes es indefinible: espectacular? más quisieran los Beatles elevarme a este estado de nirvana?

En fin... Que no quiero seguir hablando de temas sueltos!! este disco no merece tal insulto. Solo puedo definirlo, y redefinirlo como una de las obras más bellas de la música.

Gracias Andrew Bird.

My Morning Jacket - Z

2007-11-06T17:37:00.000+01:00

Band: My Morning Jacket
Album: Z
Year: 2005
Genre: Indie Rock

Me enteré de que existian My Morning Jacket unos meses antes de verles de teloneros de Pearl Jam en Madrid en Septiembre del 2006. Incluso antes de saber que eran sus teloneros me interesé por ellos, adquirí su último disco: Z (2005) después de leer críticas, lo escuché y me enamoré. Imaginaros la alegria que me dió al saber que My Morning Jacket iban a telonear a mi banda preferida: Pearl Jam.

Cuando escuchas My Morning Jacket se te queda un sabor en la boca que pasa por Wilco, Spoon o Radiohead. Sus temas muy tratados, estructuras bien definidas, logran que pases de un estado a otro, de un parte al más puro estilo Dream Pop a una parte Indie Rock salvaje.

Este disco, es de lo mejor de este nuevo siglo hasta la fecha de hoy en dia. El disco lo abre Wordless Chorus canción acompañada con la base de sintetizadores a lo Flaming Lips que junto con la guitarra y la voz hacen de ello la amalgama perfecta. It Beats 4 U es de mis preferidas, marcada por una elegancia compositiva que se hace notar desde el principio del tema.

Gideon quizás es el tema emblema de este disco. Riff atrapante de guitarra, canción con una melodía perfecta, a lo The Beatles, al final del tema el piano me hace recordar a Coldplay.

Anytime otro corta a destacar, muy directo, muy enérgico, muy facil de escuchar, queme recuerda también a Coldplay o a los primeros Wilco.

Cierra el disco Dondante triste canción, donde la voz toma las riendas de los apagados instrumentos. La voz se acerca en muchos momentos a la fusión con la voz de Thom Yorke (Radiohead). Los punteos de guitarra van poco a poco tomando forma y creando un mar de lamentos y lágrimas que es lo que transmite esta canción, todo va poco a poco subiendo, hasta estallar como una bomba en tus oidos, enorme, precioso tema.

Dinosaur Jr - Green Mind

2007-11-03T14:45:00.001+01:00

Band: Dinosaur Jr
Album: Green Mind
Year: 1991, February
Genre: Alternative Rock, Noise Rock

Empezemos por situarnos en los 80: nace en esta época el Noise Rock, el Alternative Rock, y en EE.UU nacen bandas "clave" e influencia fundamental para las bandas que se darian a conocer en los 90: por citar algunas de estas bandas "clave" puedo nombras a: Pixies, Sonic Youth, Meat Puppets, Hüsker Dü, The Replacements... y ahí está J Mascis , personaje fundamental y "algo desconocido" en la historia del rock en EE.UU en los 80.

J Mascis es Dinosaur Jr, guitarra y voz. Dinosaur Jr es una ventana a los 80, a el principio del Grunge, los pilares de miles de grupos.

Green Mind, es el cuarto album de Dinosaur Jr. Después de editar tremendas joyas como You're Living All Over Me (1987) y Bug (1988), Dinosaur Jr editan Green Mind (1991) con un sonido más pulido pero siempre manteniendo las texturas agrias y las distorsiones y ruidos. Green Mind supone el paso de Dinosaur Jr. al mercado multinacional. Empiezan la giran por Europa junto a Sonic Youth, Nirvana y Babes in Toyland mientras la bomba de Seattle empieza a hacer destrozos.

Aquellos días de ruido y rosas quedan magistralmente resumidos en el video documental 1991: The year punk broke (1993). Presentado por Thurston Moore (Sonic Youth) durante su mega gira Europea de ese año, en la que fueron teloneados Sonic Youth por Nirvana, Dinosaur Jr y Babes in Toyland. (El film se compone básicamente de actuaciones en vivo de los grupos nombrados, en especial de Sonic Youth)

En definitiva, Green Mind (junto a sus antecesores) es un disco a escuchar, entender porqué paso lo que pasó, y darles las gracias a estos viejos dinosaurios por serguir en pie, y sacar este año 2007 nuevo disco y venir a España al FIB.

El disco abre con The Wagon, canción cañera, pegadiza y muy alegre, con un pedazo estribillo. La sigue Puke + Cry, otra preciosa canción... y así en la misma onda todo el disco.

Si os gustan, os recomiendo los dos discos de Dinosaur Jr por excelencia para mi:

You're Living All Over Me (1987)
Bug (1988)

Ride - Nowhere

2007-11-03T14:08:00.001+01:00

Band: Ride
Album: Nowhere
Year: 1990
Genre: Shoegazer

Para hablar de Ride tenemos que hablar de el Shoegazer o el Shoegazing (wikipedia):

Cuando hablamos de el Shoegazer, hablamos de barreras de guitarras, feedback, ruidos, acoples, y a la vez melódicas, plagadas de pedales de efectos como el flanger, reverb o chorus, los ambientes espaciales que creaban y sus letras, entre sombrías y melancólicas —la mayor parte del tiempo susurradas—, eran los medios identificativos de los grupos. Generalmente reconocían (explícita o implícitamente) como influencias a The Jesus and Mary Chain, Velvet Underground, Spacemen 3, los Cocteau Twins y Brian Eno.

Los grupos más importantes de la escena fueron My Bloody Valentine (autores del disco fundamental del género, "Loveless", editado en 1991), Ride, Slowdive, Lush, Swervedriver y Chapterhouse.

En definitiva, Ride es de esos grupos que transmiten lo que tocan, que te envuelven...melodías melancólicas, sentimentales y etéreas... con un sabor a los 80. Guitarras con Feedback, con efectos realmente perfectos y muy bien empleados, con melodías de voz muy bonitas y dulces, muy buenos coros. En definitiva, grupazo que solo unos pocos tendremos el placer de conocer.

El disco abre con Seagull, y ya desde el principio me viene a la cabeza mis valoradisimos My Bloody Valentine, guitarras con buena dosis de Feedback. Le sigue otra canción de las que mas me han gustan: Kaleidoscope, se me ponen los pelos de puntas con las guitarras y las melodías de voz, increibles. In a Different Place canción tranquila y dulce.

Polar Bear otro temazo, explosiva carga de efectos de guitarra como el Flanger o el Feedback, crean una atmósfera singular, que mezclada con la melodía de la voz y el peso de la bateria hace de ello una canción increible. Dreams Burn Down tema suave pero con una guitarra ruidosa de fondo que envuelve; me recuerda al pasear en una fria tarde de otoño, mirando los arboles y pensado en ese instante que estoy viviendo algo pasado.... la verdad, es que este grupo, es de los que más me han llegado al corazón en mis últimas escuchas.

El tema Decay desprende un estilo algo diferente a las demás canciones, recordandome los punteos y el ritmo de bateria a los The Smiths más salvajes, siempre con la etiqueta de Ride.

En resumen, discazo y otra joya más que os dejo aquí para que os intereseis un poco.

Luna - Penthouse

2007-11-01T14:42:00.001+01:00

Band: Luna
Album: Penthouse
Year: 1995
Genre: Indie Pop, Dream Pop

Banda de Dream Pop americana, proveniente de las disolución de los importantes y no muy conocidos Galaxie 500, banda de mediados de los 80, que os recomiendo, con un turbador catálogo discografico de belleza y expresividad pop, en especial el disco This Is Our Music (1990)

Volvamos a Luna... Penthouse (1995)es el último disco de la etapa más experimental de Luna, el cual me tiene absorbido desde hace tiempo, y es que pocas cosas tan bellas y tan bien trabajadas se pueden escuchar hoy en dia. Luna vieron la luz con su debut Lunapark (1992), disco con dulces melodias y texturas instrumentales muy sugerentes. Luna es un grupo amantes de las melodias y como en Penthouse (1995) se refleja, también les gusta "jugar con lo experimental", y siempre, sin dejar de lado sus influencias y sus paralelismos con The Velvet Underground.

El disco empieza con Chinatown, suaves acordes, que parecen susurros... le sigue Sideshow, otro tema bello bello... Double Feature también me gusta mucho, pero el tema que me siento a obligado a destacar es 23 Minutes in Brussels, tema increible, con penetrantes y esquizofrénicos punteos, con una base experimental muy elaborada y con una textura similar a los mejores The Velvet Underground, y así son los demás temas del disco. El disco cierra con la extraña Bonnie & Clyde, con letra en francés, con un sabor añejo, que me hace flotar y volar...

En definitiva, disco que nunca caducará, que siempre oiré, y que en cualquier momento es perfecto ponerlo, discazo señores/as.

Mudhoney - Superfuzz Bigmuff

2007-10-30T22:51:00.002+01:00

Band: Mudhoney
Album: Superfuzz Bigmuff
Year: 1990
Genre: Grunge

...y nació el Grunge.

Disco emblemático de los 90, y joya serie B para cualquier entendido del Rock en general, sobretodo el Rock más contemporáneo (de los 90 hasta hoy me refiero).

Si me preguntais que es el Grunge, os puedo decir que es Sub Pop, ese sello discográfico que define la movida Seattle a la perfección, e incluso la película Singles (Cameron Crowe, 1992) que retrata la movida Grunge en Seattle con varias historias de amor... Pero para mi, grandisimo entendido en el Grunge, y lo digo abiertamente y sin ánimo de "fardar" (llevo escuchandolo 12 años), Mudhoney es la máxima expresión del Grunge, en cuanto a estética, actitud y música, es Punk Rock sucio, garajero, pantacas rotos, camisas de leñador y conciertos locos y axfisiantes (y esto no quiere decir que sea mi banda de más culto dentro del Grunge, no no).

Si cojemos dos pedales (efecto de guitarra para los no entendidos, aunque pocos serán) para guitarra y los juntamos, obtenemos la fórmula, o eso es lo que se creian Mudhoney: Superfuzz + Bigmuff (electroharmonix), dos pedales que dan ese sonido que caracteriza este disco y el sonido en general de Mudhoney: sucio y no definido (culpa del Fuzz).

Pero volvamos al ppio de esta crítica. Empezé diciendo: "...y nació el Grunge". Y que coño hay antes de Mudhoney? Pues facil: Green River y Mother Love Bone, pero eso solo eran los primeros destellos de lo que se avecinaba. Green River se separa y nace por un lado Mother Love Bone (de estos nacerá parte de Pearl Jam) y por otro lado Mudhoney....

Pero el primer grupo puntero e importante en Sub Pop (con permiso de Soundgarden) fueron Mudhoney, los cuales abrieron la lata, la caja de Pandora, y se llevaron a Nirvana de teloneros, y estos son los que se hicieron famosos a costa de Mudhoney, pero mejor.... porque si hubiesen tenido tanto éxito Mudhoney, a lo mejor no seguirian en activo.... sino preguntarmelo a mi, que este año en el verano del 2007 vi en La Sala Sol en Madrid a Mudhoney, y fué como ver un video de los comienzos de Nirvana: espectacular, ruidoso, gente saltando del escenario al público, y en ese preciso momento, por fin entendí que coño es el Grunge, solo tienes que estár allí para entenderlo de verdad, un disco nunca te lo aportará del todo amigo/a.

Sobre el disco no hay mucho más que hablar, después de estas pequeñas nociones, se te habrá quedado una idea general de que es Mudhoney. Pero te recomendaré varios temas de este disco: Touch Me I'm Sick, himno Grunge, himno de Mudhoney, apunta apunta, que vienen más temas...Hate The Police enérgico y pegadizo tema, con voz desgarradora otro tema mítico. You Got It (Keep It Outta My Face) y como no la magnífica In 'N' Out Of Grace, subidón brutal, en directo ni te cuento.

Aquí seguiré, esperando la próxima visita de Mudhoney a España.

Flaming Lips - Yoshimi Battles the Pink Robots

2007-10-28T16:27:00.002+01:00

Band: Flaming Lips
Album: Yoshimi Battles the Pink Robots
Year: 2002
Genre: Psychedelic Rock

Discazo.

Desde mediados de los 80 empezaron dando guerra con su Rock indescriptible, psicodélico,bohemio, dificil de entender y ante todo una palabra: extraterrestre. Desde su disco Zaireeka (1997) disco experimental de otro mundo, y The Soft Bulletin (1999) se hicieron grandes, y hasta ahora...

Pero por favor, centrémonos en su obra maestra, Yoshimi Battles the Pink Robots (2002):

Album conceptual, no son canciones sueltas, es una gran canción, hay que entenderlo así. Es un viaje, no puedes escucharlo por partes, nunca.

Disco con dulces melodias como It's Summertime o Do You Realize con sintetizadores, beats electrónicos y guitarras pegadizas. Las letras del álbum hablan desde la melancolía al amor, las emociones artificiales, el pacifismo y la decepción. Es la banda sonora del futuro, eso desde luego.

leyendo en internet no sabía que la canción Approaching Pavonis Mons by Balloon (Utopia Planitia) que cierra el disco, ganó el premio Grammy 2002 por la mejor canción de Rock Instrumental... cosas de la vida.

Otras canciones que me maravillan son Fight Test, canción que abre esta magna obra, y una de mis preferidas Yoshimi Battles the Pink Robots Part. I, quizás de las más conocidas.

En definitiva, grupo freak, hasta en sus conciertos, que montan un espectáculo, que ya quisieran los Rolling Stones, compraros este disco, merece la pena, no os defraudará.-

Modest Mouse - The Lonesome Crowded West

2007-10-16T18:39:00.000+02:00

Band: Modest Mouse
Album: The Lonesome Crowded West
Year: 1997
Genre: Alternative Rock

Segundo album de Modest Mouse. Banda estadounidense con similitud a bandas como Pixies o Pavement. The Lonesome Crowded West (1997) es su segundo trabajo editado en Sub Pop, quizás el sello más importante de los 90, donde milita Steve Albini, gurú de importantes bandas como Nirvana, Soundgarden, Melvins, Green River, Mudhoney o Screaming Trees, casi nada, que tiempos, Dios.

Pero Modest Mouse no tienen que ver nada con el Grunge, nada. Este segundo trabajo es una ruidosa y antiesquemática continuación de su debut This Is a Long Drive for Someone With Nothing to Think About (1996). Cada canción que escucho de este disco hace inevitable establecer la comparación con Pixies o Pavement. Teeth Like God's Shoeshine abre el disco como la dinamita. Tema contundente, ruidoso, con voces suaves y ferozes gritos de Isaac Brock, voz, guitarra y principal compositor, canción que hace un pronostico de que como será el resto del disco, no apto para oidos acostumbrados a las canciones de estética y esquemas convencionales.

Heart Cooks Brain cada vez que escucho este tema me gusta más. La voz y la puesta que tiene hace que me venga el recuerdo de Frank Black (voz de Pixies), otra de las canciones que más me han gustado.

Convenient Parking temazo del disco. Increible ritmo de entrada de la canción, un riff pegadizo que termina con un mutilador estribillo decorado con gritos desgarradores, temazo.

Lounge (Closing Time) canción antiestética con acordes que parecen desafinados al igual que la voz, lo cual al ser convinado hace de ello algo bello, muy estilo Pavement, muy Lo Fi. Otras piezas a resaltar son Cowboy Dan y Jesus Christ Was an Only Child.

En definitiva, un discazo, en el cual, siempre entre el ruido, reinan pasajes dulces, melódicos y suaves; Pero ojo, no apto para todos los públicos, album de dura escucha sino conoces grupos como Pixies, Pavement o Sonic Youth.

Explosions in the Sky - All of A Sudden I Miss Everyone

2007-10-15T19:50:00.001+02:00

Band: Explosions in the Sky
Album: All of A Sudden I Miss Everyone
Year: 2007
Genre: Post Rock

Quinto disco en estudio de los norteamericanos, pilares del Post Rock actual. Nueva entrega cargada de intensas emociones y pasajes oscuros y alegres. Una contradicción de sentimientos.

Empieza el disco con la melancólica y cañera The Birth and Death of The Day, pasando por la Welcome, Ghosts que continua expresando tristes sentimientos. It's Natural To Be Afraid es una canción triste, que transmite frio, dolor y miedo, con un piano muy marcado, es el Apocalipsis.

Catastrophe and the Cure me da la sensación de morir, y luego a mitad de la canción, volver a nacer; guitarras cristalinas y cambios de ritmos impresionantes. So Long, Lonesome cierra esta magna obra, con esos bellos punteos, que transmiten paz y alegria... es la canción perfecta para poner al final de cualquier película con final feliz, preciosa.

En definitiva, Explosions in the Sky es un transmisor de sensaciones, puedes experimentar al escucharlos mil cosas, merece la pena descubrirlos.

Nota:

Spoon + Explosions in the Sky (Wintercase)

21 noviembre - Bilbao- Santana 27
22 noviembre - Valencia- Cormorán*
23 noviembre - Madrid- Joy Eslava
24 noviembre - Barcelona- Razzmatazz 1

Electrelane - Axes

2007-10-15T19:27:00.001+02:00

Band: Electrelane
Album: Axes
Year: 2005
Genre: Indie Rock, Post Rock

Después de oir su anterior trabajo The Power Out (2004) me han enamorado. Sus melodias son propias de los más tranquilitos Yo la Tengo o Sonic Youth, y con que buen gusto elaboran las canciones estas cuatro chicas de Brighton (UK).

El disco empieza con One, Two, Three, Lots locura sónica instrumental, son taladros en el cerebro, y es que estas chicas muerden. Luego le sigue el segundo tema Bells, donde la voz se fusiona con el piano de fondo, y ojo al piano, muy original, de las canciones que más me han gustado. Two For Joy parece un himno Indie al estilo Sonic Youth o incluso The Velvet Underground, temazo.

Estas chicas, al igual que hicieron con su anterior trabajo, son capaces de hacer lindas melodias y a la vez hacer rugir las guitarras, y como en anteriores trabajos, el disco está lleno de pasajes instrumentales totalmente post-rockeros.

Eight Steps es otra canción a destacar, con una vinculación a las composiciones de Yann Tiersen evidente a la primera escucha.

En resumen, un discazo muy aconsejable para toda la gente que conoce y sabe apreciar la buena música, y las composiciones anticomerciales. Estas chicas tienen mucho futuro, y darán mucho que hablar, os dejo, que me tiene "atontao" este disco!

Sonic Youth - Rather Ripped

2007-10-15T12:20:00.001+02:00

Band: Sonic Youth
Album: Rather Ripped
Year: 2006
Genre: Experimental Rock, Indie Rock

Hablar de Sonic Youth es hablar de una de las bandas más influyentes de los últimos tiempos, son los padres y precursores del Noise y del Indie Rock más puro en los últimos 20 años.

Último disco de Sonic Youth hasta la fecha (sino contamos el recopilatorio de B-Sides llamado The Destroyed Room que salió a finales del 2006)

En los últimos discos de Sonic Youth, estos contaron con el cerebro y las ingeniosas ideas del gurú de lo Freak y del Noise, el Señor Jim O'Rourke, el cual en este disco no aparece, y Sonic Youth vuelven a ser los cuatro de siempre.

Los primeros singles del álbum fueron: "Sonic Life" y "Do You Believe In Rapture?". El nombre de Rather Ripped viene de una tienda de discos quebrada en Portland, OR.

Según he visto en Wikipedia: Rather Ripped ocupó el número 64 en el ranking de álbumes del Reino Unido, y el número 71 en el ranking Billboard de los Estados Unidos. El álbum ocupó el puesto 43 en el ranking Pitchfork de los 50 mejores álbumes del 2006 y ocupó el tercer lugar en el ranking de los 50 mejores álbumes del 2006 en la revista Rolling Stone.

Ahora analizemos el disco:

El disco empieza con Reena, con Kim Gordon a la voz, bonita canción muy en la onda de los últimos discos. Luego la sigue Incinerate, canción con sello de Thurston Moore y Lee Ranaldo, con una base muy parecida a los últimos trabajos Murray Street (2002)y Sonic Nurse (2004), me parece de las mejores canciones. Do You Believe In Rapture es un tema más oscuro y que parece que va a romper, pero sigue siempre la misma linea, te deja con la miel en la boca, hasta que llega el siguiente tema Sleepin Around, más cañera, algo más Punk, más Grunge, muy pegadiza.

Me llamó la atención el tema de Rats, canción con sello y firma de Lee Ranaldo, de las pocas canciones experimentales del disco, con una amalgama de acoples de fondo muy curiosos. Poco a poco voy escuchando los temas, y no solo me gusta mucho el disco, sino que me doy cuenta que Sonic Youth es un grupo que sabe madurar, y lo han hecho muy bien como músicos. Los últimos discos me parecen muy estéticos y muy melódicos, con las guitarras muy cuidadas, son de los mejor de su carrera (con el respeto a discos como Daydream Nation (1988) o la obra maestra Goo (1990).

Pink Steam es la joya del disco, canción larga, dura, desgarradora en su medida, me parece de lo mejorcito.

En definitiva,Sonic Youth vienen haciendo lo mismo desde que se editó el fenomenal Murray Street (2002), y creo que deben seguir por este camino, han tenido una buena forma de hacer madurar sus carreras como músicos y compositores, y esto al fin y al cabo es con lo que me quedo, un discazo, muy tranquilo (para ser ellos) y con grandes espectativas de futuro.

Quid Rides? Mutato nomine de te fabula narratur

2007-10-15T00:31:00.000+02:00

Quid Rides? www.myspace.com/quidrides el grupo donde toco la guitarra, y a veces donde toco los cojoncillos. [...] Yo, Jose Pablo (guitar), Rakus (bass) y Manu (drums) nos juntamos a principios del 2005 para crear una ilusión y un concepto diferente de música: Quid Rides?.

Comenzamos a crear los primeros temas con una clara influencia de Rock de los 90 y de esta forma empezaron a surgir los primeros conciertos en salas de Madrid. Tras muchas horas de ensayos, bajo el humo y la acogedora oscuridad y humedad del local, descubrimos nuestra verdadera personalidad musical.... el gusto por lo instrumental, lo ambiental, lo experimental y las atmósferas etéreas...

Así de esta forma dejamos poco a poco de lado los antiguos temas con voz y nos dejamos llevar por la pasión, el sentimiento, y el instinto que desemboca en la creación de temas largos, muy elaborados, sin estructuras, cargados de pasajes suaves y dulces hasta llegar a partes ásperas, corrosivas y pesadas.... En Abril de 2007 nos autoproducimos (con ayuda de los Estudios Montreal en Pamplona y sin Sello) nuestro primer L.P. llamado Amalgama, una apuesta segura y clara por la música Underground de Madrid que pretende huir de las etiquetas y de las comparaciones.

Estos 2 años y pico, no solo nos han servido para mejorar como musicos y ser cada dia más amigos, sino que también hemos conocido a mucha gente, muchos grupos, a los cuales me gustaría hacer mención, sobretodo a los más allegados: Self Stereo, Reznik, Twin Hands, Vein, Red Lee, Malyssia, Al Berwowitz, Última Experiencia, Novak, Jardín de la Croix, Belga, El Páramo, Sonnöv, Tao Te Kin, My Dear Flotsam, Rip Kc, Bucles..... sobretodo gracias Liar Festivals www.myspace.com/liarfestivals (Diana y Nooirax) y nuestro gran amigo Lolo Reznik, y todos los amigos que nos apoyais!

Gracias por todo!

Quid Rides? - Down (Live at Sala Taboó 2006)

Yo la Tengo - I Am Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass

2007-10-14T23:37:00.000+02:00

Band: Yo la Tengo
Album: I Am Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass
Year: 2006
Genre: Indie Rock

Mítico grupo de Indie Rock, con 14 discos en estudio, dando la guerra desde 1984... Tenemos que remontarnos a aquellos maravillosos años 80, cuando el Rock Alternativo estaba abriendo las puertas poco a poco a los grupos de los 90 (Nirvana, Smashing Pumpkins, Soundgarden, Pavement..) allí estaban dando la cara bandas como Pixies, Meat Puppets, Sonic Youth, Hüsker Dü, Dinosaur Jr y claro, como no Yo la Tengo.

Una característica de Yo la Tengo? Maestros y domadores del sonido. Maestros del Feedback y Noise (acoples y ruidos) y perfectos compositores de melodias Pop. Eso es Yo la Tengo, y en este último disco se refleja como siempre su sonido, que nunca cambia, y a la vez hacen lo que les viene en gana (es la suerte de ser una banda Independiente).

Pass the Hatchet, I Think I'm Goodkind es el primer tema, Feedback y Noise puro y duro, increible, grandes ruidos y perfecta armonia de las distorsiones, he de destacar el bajo, atrapante de principio o fin.

Beanbag Chair, I Feel Like Going Home o Mr. Touch son la otra cara de Yo la Tengo, más happy, más Indie Pop, melodias bonitas y muy elaboradas.

También tenemos cortes más cañeros y atrapantes, muy Feedback (se nota mucho la influencia de The Velvet underground) como The Race is on Again o The Room Got Heavy

En resumen, un discazo. Como siempre sin salirse de los esquemas de Yo la Tengo, y la vez, experimentando con formas y estéticas nuevas. Como disfruté el año pasado en la Riviera, en Madrid en su directo! increibles!

Wilco - Sky Blue Sky

2007-10-14T22:59:00.000+02:00

Band: Wilco
Album: Sky Blue Sky
Year: 2007
Genre: Indie Rock, Folk

Ir en contra de la corriente, eso es lo primero que me transmite la portada del disco. A estas alturas, hablar de Wilco, es hablar de una de las bandas más importantes del panorama mundial en cuanto a Rock se refiere. Y no es una banda de ahora, no señor, es una banda con 6 discos a sus espaldas, múltiples proyectos paralelos, y que empezaron dando guerra allá en 1995 con su primer disco A.M.

Se puede tener gusto por hacer melodias perfectas y bellas, y Wilco lo consigue siempre, son expertos en ello, pero en este disco rozan el cielo (encima se llama el disco Sky Blue Sky, coincidencias?). A ver, este no es el mejor disco de Wilco mis lectores, de hecho es el más controvertido y criticado (para lo bueno y lo malo), y es que Wilco, se pusieron el telón demasiado alto, porque después de publicar 2 obras clave de este nuevo siglo como son Yankee Hotel Foxtrot (2002) y A Ghost Is Born (2004) es normal que se les mire con lupa, coño.

Si me dijesen que divida a Wilco en etapas (cosa a la que soy muy dado a hacer con los grupos) diría que tienen tres etapas, y ahora están en la tercera. La primera es la etapa Rock, que abarca tres discos: A.M. (1995), Being There (1996) y Summerteeth (1999), la segunda que es Indie Experimental (las dos obras maestras)
que abarca los discos Yankee Hotel Foxtrot (2002) y A Ghost Is Born (2004), y la tercera Folk Rock que es de momento el nuevo disco Sky Blue Sky (2007).

El album Sky Blue Sky empieza con Either Way, presagio de lo que será el disco entero, algo tranquilo y exquisito, precioso, bonito, dulce... unos punteos increibles, muy trabajados y perfectos en cada momento. La voz de Jeff Tweedy está menos desgarradora que en trabajos anteriores... se nota que ha dejado la mala vida de el alcohol (o eso dice él, a saber). You are my Face otra bella canción con un cambio de ritmo en medio del tema muy curioso y un piano de fondo muy bonito... así va pasando el disco, siendo una cálida escucha, hasta que llegamos a la tranquila Sky Blue Sky, típica canción Folk 100% de las que siempre se luce Jeff con su voz. También me gustó mucho Side with the Seeds, Walken y el single What Light.

En resumen, un disco muy controvertido, que a nadie dejará indiferente (cuantas veces habré oido o leido esta frase, jeje), pero para mi, bello bello.

Debo recordaros que Wilco estarán en Noviembre de gira en España, en Madrid el 9 de Noviembre (ya tengo la entrada) apresurense!!!

Into the Wild Soundtrack (Eddie Vedder of Pearl Jam)

2007-10-14T22:32:00.000+02:00

Band: Eddie Vedder (Pearl Jam)
Album: Into the Wild, Soundtrack
Year: 2007
Genre: Rock

Hablar de Eddie Vedder es hablar de uno de los personajes más importantes del panorama musical a nivel mundial, lógicamente. Ya no porque sea una de las voces más bellas jamás oidas, sino porque es el cantante y una de las mentes compositivas de Pearl Jam.

Después de hacer esta pequeña aclaración, tengo entre mis manos el disco de la B.S.O. de Into the Wild, pelicula cuyo director es Sean Penn, y que la Banda Sonora ha sido compuesta integramente por Eddie Vedder.

Quien quiera encontrar en este disco, un disco de Pearl Jam pues lo va ha encontrar y no. Me explico: Suena a Pearl Jam porque Pearl Jam es Eddie Vedder (con el consentimiento de Stone Gossard y Jeff Amment, claro), pero por otra parte no suena a Pearl Jam el esquema compositivo, es de otro palo, es más próximo al Folk cantautor americano, y se refleja en canciones como Rise, Society o Hard Sun. Increibles temas, simples, pero con una carga emotiva explosiva que de verdad, me han dejado la piel de gallina.

También podemos encontrar canciones más estilo Pearl Jam, por decirlo de una forma, como End of the Road, Setting Forth,la increible No Ceiling (de las que más me han gustado), y sobretodo el tema Far Behind que es 100% Pearl Jam, estilo del disco Binaural bajo mi punto de vista.

Simplemente, decir para los amantes de Pearl Jam (me incluyo lógicamente) que esto es una auténtica joya, y hemos de dar gracias de tenerla... porque la verdad, nosé cuanto tendremos que esperar para el próximo album de Pearl Jam.

Gracias Ed!

Eddie Vedder (Yield Promo photo)

Calexico - The Black Light

2007-10-14T18:18:00.000+02:00

Band: Calexico
Album: The Black Light
Year: 1998
Genre: Indie Rock

Estas dos últimas semanas creo que he recomendado este disco a un puñado de personas, y ¿porqué? es facil, a mi juicio, de los mejores discos de los últimos 10 años.

Que ha que suena Calexico? Os diría que los descubrais vosotros mismos, para sorprenderos aún más, pero seguro que no lo hariais, porque pensareis: "para que perder tiempo bajandome un disco que puede ser una basura y que ni si quiera se como suenan"

Pues nada, me tendré que quedar con las ganas, y os desvelaré el misterio: Lo primero, y para que os hagais una idea, Calexico es una Ciudad fronteriza entre California y Mexico, de ahí su nombre: CALifornia y mEXICO. Estamos hablando de un grupo que hace música Indie pero al estilo sureño... que recuerda al desierto, Al Paso, incluso a las canciones que Tarantino utiliza en sus peliculas, un buen ejemplo es la primera canciçon del disco Gypsy's Curse o The Ride (Part 2).

Las canciones recrean atmósferas solitarias, de vaqueros, de mariachis, pero con una clase y un gusto exquisito. No tiene que ver nada con rancheras ni cosas así, es un Indie muy elaborado donde hay temas instrumentales y temas donde cantan, mezclando el Rock con el Jazz (como en Fake Fur)y siempre de fondo un toque muy sureño.

Post Rock

2007-10-14T15:42:00.000+02:00

Hoy en dia, hay un termino musical, que poco a poco empieza a cojer más fuerza, es el denominado "Post Rock".

¿que narizes es el Post Rock?

Según Wikipedia, "Post Rock" es un término que fue usado por primera vez por Simon Reynolds en una edición de la revista The Wire (en mayo de 1994) para describir el sonido de muchas bandas de rock que usan instrumentos de rock para propósitos distintos a los del mismo (por ejemplo, usan guitarras no para riffs sino para texturas).

En mi opinión, el Post Rock es la palabra que se utiliza para definir o encasillar a los grupos instrumentales de hoy en dia. Por norma general, en la música Post Rock, el elemento protagonista no es la voz, sino la música, la textura de las guitarras y los acordes, los latidos del bajo y los ritmos anormales de la bateria. Escuchar Post Rock es una forma nueva de entender la música, es otra concepción, es otro viaje.

Slint, pioneros del Post Rock

Para mi, la palabra Post Rock es como definir un viaje, un colocón. Cuando escuchas un disco de Mogwai, Mono o Explosions in the Sky entras en un mundo diferente... son grupos capaces de crear atmósferas etéreas y envolventes, donde uno puede huir de la realidad y soñar con pasajes musicales misteriosos, sensaciones nuevas.

Por norma general, las bandas de Post Rock no tienen voz, aunque hay casos particulares como Mogwai que a veces aparecen "susurros" en las canciones, o Sigur Rós que cantan, pero la voz es tan especial, tan tratada y tan irreal que parece otro instrumento.

Mogwai, oscuros y misteriosos hasta en las fotos

Pero, como nació el Post Rock?

Debemos remontarnos a finales de los años 80. Allí nos encontramos con Slint, banda pionera del Post Rock. Slint son de Louisville, Kentucky. Solo publicaron dos discos: Tweez (1987) y Spiderland (1989), pero podemos considerar ambas obras el principio del Post Rock y uno de los grupos más influyentes en el panorama Independiente Noise y Experimental de los 90. Su música era lo más cercano y parecido a los Sonic Youth de los 80, Noise y guitarras ásperas... pero ellos utilizaron una nueva fórmula, crear largas y depresivas atmósferas en sus discos, cargados de una mezcla explosiva de Jazz y Psicodelia.

Mono, desde Japon, intenso y envolvente Post Rock

Después de ellos aparecieron en los 90 grupos como Shellac o Tortoise. Shellac quizás siguieron la fórmula de Slint, con poca repercusión, pero Tortoise fueron más importantes e influyentes; etiquetados por la belleza de sus piezas experimentales-jazzeras e instrumentales. El disco pilar de Tortoise es TNT (1998), y sirvieron de grupo gancho entre Slint y el Post Rock de hoy en dia.

Ahora hay un pequeño abanico de grupos Post Rock, entre los más importantes cabe destacar: Mogwai, Mono(japan), Explosions in the Sky, Tortoise, Godspeed You Black Emperor!, Sigur Rós, etc. De ellos poco a poco iré escribiendo críticas sobre sus discos, no os preocupeis.

Welcome Home!

2007-10-14T14:01:00.000+02:00

Hola a todos, lo primero, gracias por entrar en este Blog. Lo que intentaré hacer aquí es escribir sobre la música Independiente en general y sobre la escena Underground de España y sobre todo de Madrid.

Gracias a mi grupo Quid Rides? he tenido acceso a la escena musical Underground de Madrid, con la que dia a dia me codeo, la cual merece un sitio en este Blog. Hay muchos grupos que jamás serán conocidos, y es una pena, pero yo los he visto, y lo que os quiero transmitir a vosotros, es que tengais la oportunidad de disfrutarlos como yo hago.

Como tengo que poner a punto este Blog, y aún, me queda mucho, os dejo, con un video para que os vayais adaptando a mi Blog.

un saludo!

Sonic Youth - Bull in the Heather